Von Marius Lang

Eines steht dieser Tage wohl nicht zur Diskussion: Wir befinden uns im Zeitalter des Comicheldenfilmes. Das MARVEL-Filmuniversum startet in diesem Jahr in seine dritte Phase, DC steht mit seinem eigenen geteilten Filmuniversum in den Startlöchern und TV-Serien auf Basis von Comics oder Comichelden dominieren das Fernsehprogramm. Franchises werden auf lange Hand geplant und selbst wenn mal einer der Filme floppen sollte, fällt das im großen Ganzen nicht wirklich ins Gewicht. Wirkliche Überraschungen werden da immer seltener. DEADPOOL soll wieder Schwung in das Genre bringen. Sein Marketing verspricht einen blutigeren, dreckigeren und abgefahreneren Vertreter des Genres. Der titelgebende Held ist ein durchgeknallter Söldner und Auftragskiller mit einem losen Mundwerk und einem versauten Humor. Also immerhin ein klarer Gegensatz zu den edlen Heroenfiguren, die sonst so das Genre bevölkern.

Fick dich, Krebs!

Doch worum geht es in DEADPOOL eigentlich? Nun, der Film ist im Kern, und darauf legt die Hauptfigur größten Wert, eine Liebesgeschichte. Unsere „Held“ ist Wade Wilson (Ryan Reynolds), ein ehemaliges Mitglied der Special Forces, der sich in derselben Welt, in der auch die X-Men und andere Mutanten durch die Gegend wuseln, als Schläger und Söldner verdingt. Das Glück trifft ihn hart, als er auf die schöne, selbstbewusste und wie er völlig abgedrehte Vanessa (Morena Baccarin) trifft. Man verliebt sich, wird ein Paar, zieht zusammen, das Glück ist perfekt.

Doch dann kommt es zu einem Schicksalsschlag. Wade erhält die Diagnose Krebs. In seiner Verzweiflung unterzieht er sich einer gefährlichen Therapie, geleitet von dem sadistischen Francis/Ajax (Ed Skrein). Die Therapie hat Erfolg und Wade erhält übermenschliche Heilkräfte, die ihm die Fähigkeit geben, sich von jeder Verletzung zu erholen. Doch der Preis ist immens. Wade ist fortan am ganzen Körper von Narben übersät und seine durchgeknallte Art wird nur noch verstärkt. Um die Nebenwirkungen wieder rückgängig zu machen, geht Wade, unter dem Alias des Söldners DEADPOOL auf die Jagd nach Francis, dem Mann der sein Leben zerstört hat. Und nebenbei muss er noch Vanessa zurückgewinnen.

Action und Witz

DEADPOOL kann getrost als einer der am meisten erwarteten Filme des ersten Quartals 2016 betrachtet werden. Das Marketing versprach einen anderen Comicfilm, den Antisuperheldenfilm. Viele sagten im Vorhinein, dass der Film ein Risiko ist. Aber seien wir ehrlich, bei der Popularität, die dem Charakter im Internet zuteilwird, ist ein Misserfolg praktisch ausgeschlossen. Finanziell zumindest. Die größere Frage ist, ob es auch ein guter Film ist.

Um es kurz zu machen, ja, DEADPOOL ist ein guter Film. Er ist weit davon entfernt, großartig zu sein, aber das ist offensichtlich auch nicht die Intention von irgendwem, der an dem Film mitgearbeitet hat. Was den Film jedoch viel Charme verleiht, ist der Spaß, den klar jeder Beteiligte hatte. DEADPOOL sprüht nur so vor Freude, einfach nur als Film zu existieren. Hier sollte kein Meilenstein entstehen, die Macher wollten einfach diesen Film machen und dabei viel Spaß haben und diesen Spaß dann an das Publikum weitergeben. Der Humor ist dreckig, oft niveaulos und immer kindisch, aber er funktioniert. Und dazu kommen die unheimlich guten Actionsequenzen, die brutal und blutig ablaufen und gut gefilmt sind. Doch das Herz des Films bilden die Charaktere.

Am besten nicht alleine

Hier kommen wir zum größten Problem der Titelfigur: Deadpool ist keine gute Hauptfigur. Sein dreckiger Witz, seine Angewohnheit, die vierte Wand zu durchbrechen, seine flexiblen Moralvorstellungen, all das ist zunächst lustig und bleibt auch lustig, wenn man geringe Dosen davon bekommt. Auf Dauer nutzt sich dies aber recht schnell ab. Und danach neigt Deadpool dazu, einem etwas auf die Nerven zu gehen. Vielen, die den Charakter nur als Meme aus dem Internet kennen, ist dies offensichtlich nicht bewusst. Deadpool funktioniert am besten, wenn ihm ernste Charaktere zur Seite gestellt werden. Als komödiantischer Sidekick in Teams von variabler Größe. Er allein kann eine Story selten stemmen. Ein Glück, dass dieses Problem den Machern wohl selbst mehr als bewusst war.

Ryan Reynolds ist, da besteht keine Frage, fantastisch, sowohl als Wade Wilson, als auch als Deadpool. Zuvor war Reynolds bereits als eine etwas andere Interpretation von Wade in X-MEN ORIGINS: WOLVERINE aufgetreten. Der Film, wie auch die Interpretation von Deadpool, nach seiner Operation, wurde universell zerrissen, doch tatsächlich war Reynolds Spiel als Wade Wilson, vor der Operation, einer der besseren Teile des Films. Seine Rückkehr in der Rolle funktioniert nun endlich richtig gut. Reynolds bringt den wüsten, kindischen Humor, die ironische Art und all die irren Anwandlungen des Titelcharakters auf den Punkt. Und man erkennt ihm an, dass Reynolds eine wahnsinnige Freude daran hat, die Rolle zu spielen. Deadpool durchbricht die 4. Wand, redet direkt mit dem Zuschauer, macht Bemerkungen über vorangegangene Comicfilme und niveaulose Witze. Und in jedem Moment spürt man eine wahrhaftige Freude Reynolds.

Doch da Deadpool, wie gehabt, am schlechtesten funktioniert, wenn er alleine ist, haben ihm die Macher eine Reihe guter bis fantastischer Nebencharaktere zur Seite gestellt. Zunächst ist da Wades Love-Interest Vanessa. Morena Baccarin glänzt in der Rolle und verleiht der Figur genau die richtige Mischung aus diebischem Spaß, Sexappeal und Individualität, die sie benötigt, um neben dem aufgedrehten Reynolds nicht unterzugehen. Neben ihr tritt T.J. Miller als Wades bester/einziger Freund Weasel auf, der mit einem knochentrockenen Humor und behäbigeren Art einen guten Gegenpol zum überdrehten Wade Wilson abgibt.

Doch die wohl besten Szenen des Films gehen an all jene, in denen Colossus, ein Mitglied der X-Men, und sein Schützling Negasonic Teenage Warhead auftreten. Colossus (gesprochen von Stefan Kapičić und dargestellt von Andre Tricoteux) vertritt genau die Art von Helden, zu denen Deadpool eine Antithese bilden soll. Und aus irgendeinem Grund hat Colossus sich nun in den Kopf gesetzt, Deadpool zu einem echten, ehrbaren Helden zu machen, ohne die moralische Flexibilität, die ihn sonst auszeichnet. Diese Momente sind lustig, doch noch viel besser ist Brianna Hildebrand als Negasonic Teenage Warhead, eine minimal apathische Teenagerin, die Deadpool in keiner Sekunde ernst nimmt und ihn eher erbärmlich zu finden scheint. Die Szenen mit ihr sind die wahren Höhepunkte des Films.

Simpler Spaß

Wie bereits gesagt, DEADPOOL ist weit davon entfernt, wirklich großartig zu sein. Dies ist aber nicht das Ziel, stattdessen soll einfach ein kindisches Kinovergnügen ohne Reue geliefert werden. Und das hat funktioniert. Die vielen kleineren Schwächen, etwa die sehr blassen Bösewichte oder die weniger runden Aspekte der Story, fallen da gar nicht so sehr ins Gewicht, da der Film kein Meisterwerk sein will. Nur bloßer Spaß. Einzig größerer Mangel ist, dass der Film nicht so blutig und dreckig ist, wie man sich vielleicht erhofft. Ja, es spritzt Blut, es werden Menschen grafisch enthauptet und die Schimpfwortfrequenz ist deutlich höher, als man es anderen Comicfilmen gewohnt ist. Doch scheint es, dass die Macher hier noch mehr hätten leisten können. Doch das ist nur ein kleines Problem. Ansonsten ist DEADPOOL alles, was man sich von einem Film über den durchgeknallten Antihelden wünschen kann. Ein kindischer, oft dummer, aber immer lustiger Heidenspaß.

Fotos: © 2015 Twentieth Century Fox

Von Marius Lang

Vielleicht hätte Tarantino immer schon Western machen sollen. Schließlich ist es offensichtlich, dass er eine ganz besondere Leidenschaft für diese Nische des Kinos hat. Zunächst kam da INGLOURIOUS BASTERDS, der zwar im von den Nazis besetzten Frankreich des zweiten Weltkriegs spielte, aber in Ästhetik und Aufbau der Story und der Charaktere ganz klar ein Western war. Darauf folgte dann DJANGO UNCHAINED, schon viel deutlicher im Genre angesiedelt. Und mit seinem neuesten Film THE HATEFUL 8 scheint Tarantino darauf noch einen drauf setzen zu wollen. Alles, von der Art, wie sein Cast sich vor der Kamera gibt, über die Bilder, die die Kamera einfängt bis hin zur Story selbst trieft nur so von der Ästhetik des Westerns der 70er und 80er Jahre. Und vermutlich hätte der Film damals noch besser funktioniert.

Nicht, dass man das falsch versteht, der Film ist ausgezeichnet. Alles, was seine Filme von der Konkurrenz abhebt ist da. Ein fantastisches Cast, die Kapitelstruktur der Story, die charakteristisch brillanten Dialoge, die Sozialkritik, die vielschichtigen Charaktere, Samuel L. Jackson. Alles ist um Längen besser, als das, was so viele andere Regisseure produzieren, wenn sie den Meister Tarantino versuchen zu kanalisieren. Doch erstmals seit DEATH PROOF sind in THE HATEFUL 8 größere Schwächen im Aufbau und dem Script zu finden. Gut möglich, dass der Film in Zukunft als einer der, vergleichsweise, schwächeren Einträge in Tarantinos Karriere gesehen wird.

Irgendwann in Wyoming

Die zentrale Story von THE HATEFUL 8 ist schnell erzählt. Wir befinden uns in Wyoming, irgendwann nach dem amerikanischen Bürgerkrieg. Der Kopfgeldjäger John „The Hangman“ Ruth (Kurt Russel) ist mit der kriminellen Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) in einer Kutsche unterwegs in die Stadt Red Rock, wo Domergue für ihre Verbrechen hängen wird. Da jedoch ein Blizzard aufzieht, müssen sie in Minnies Miederwarenladen Halt machen und auf besseres Wetter warten. Auf dem Weg lesen sie den Kopfgeldjäger Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson), sowie Chris Mannix (Walter Goggins), der behauptet, der neue Sheriff von Red Rock zu sein, auf, da beide ebenfalls auf dem Weg in die Stadt sind. Schnell bilden sich Fronten aus Misstrauen, Rassismus, Frauenfeindlichkeit, die sich nach der Ankunft im Miederwarenladen, eine Mischung aus Gasthof, Tante-Emma-Laden und Bar, noch verhärten.

Hier treffen die vier Reisenden (und der Kutscher) nicht auf Eigentümerin Minnie oder ihre Angestellten und Stammgäste, sondern auf vier Fremde, Oswaldo Mobray (Tim Roth), der sagt, er sei der örtliche Henker, den Cowboy Joe Gage (Michael Madsen), den Mexikaner Bob (Demián Bichir), der behauptet, er würde in Minnies Abwesenheit ihren Laden verwalten, und Sandy Smithers (Bruce Dern), ein ehemaliger General der Konföderierten, Kriegsverbrecher und ausgemachter Rassist (aber wer ist das nicht in diesem Film?). Die Spannung in dem Laden wächst immer weiter. Wem kann man hier vertrauen? Welche Verbrechen haben die Männer (und die Frau) hier begangen? Wer ist nicht, was er vorgibt, zu sein? Und was ist Daisy Domergues Geheimnis?

Wer richtig zählt, merkt, dass sich in der Hütte nun neun Personen aufhalten. Ruths Kutscher O.B. ist aber kein Mitglied der titelgebenden acht. Er hat keinen Grund, Misstrauen gegen irgendwen zu hegen, ist kein Rassist, hat keine offenen Rechnungen. Er ist der einzig Unschuldige in der Gruppe, der allerdings im Zuge seiner Arbeit mit in diese Geschichte aus Verrat und Hass hineingezogen wurde. Schade, da er der einzig echte Sympathieträger in der Hütte zu sein scheint. Das jedoch nur am Rande.

Quentin Tarantinos THE THING

Horrorfans mag es schon aufgefallen sein, der Film erinnert stark an John Carpenters Meisterwerk des Horrors, THE THING. Kein Wunder, hat doch Tarantino diese Ähnlichkeit bewusst eingebaut und seinem Team auch mehrfach den Film gezeigt. Auch dort waren mehrere Charaktere von der Außenwelt isoliert im Schnee gefangen. Und auch dort herrschte eine ständige Spannung in der Luft. Die Charaktere waren nie sicher, wem sie trauen können, lose Allianzen bildeten sich und wurden ebenso schnell wieder gebrochen. Doch während in THE THING ein außerirdischer Parasit auf einer kleinen Forschungsstation in der Antarktis sein Unwesen trieb, sind es bei THE HATEFUL 8 Verrat, offene Rechnungen und Hinterlist, die den Puls in der Hütte oben halten. Tarantino schafft so nicht nur eine Hommage an den Western, sondern auch den Horror und einen seiner wichtigsten Genrevertreter. Die Isolation der Charaktere, umringt von potentiellen Feinden baut die Spannung immer weiter auf und der Zuschauer wartet nur darauf, dass es sich in einem unvermeidlichen Blutbad entlädt. Doch leider wartet man darauf sehr lange.

Mit gut drei Stunden Laufzeit ist dies Tarantinos längster Film. Und leider ist es auch der, der den Zuschauer seine Länge am heftigsten Spüren lässt. Schon DJANGO UNCHAINED hatte größere Längen. Doch während es da in etwa die letzte halbe Stunde war, die man getrost hätte zusammenschneiden können, ist es bei THE HATEFUL 8 gerade die erste Hälfte, die sich bisweilen gewaltig zieht. Shots, vor allem von der Landschaft, die zwar schön anzusehen sind, aber doch immer wieder zu lang sind, Aufnahmen, in denen nahezu nichts passiert und immer wieder die Gespräche der Figuren, die zwar, typisch Tarantino, immer gut und amüsant geschrieben sind, aber erstmals seit DEATHPROOF das Gefühl vermitteln, dass sie sich etwas ziehen. Diese Länge ist ein großes Problem des Films, da der Film erst nach gut der ersten Hälfte des Films seine erste Spannungsspitze setzt. Ein Glück, dass diese die wohl beste Szene des Films ist.

Unter Veteranen

Hierbei gehört die Bühne ganz Samuel L. Jackson, dem wohl hervorragendsten männlichen Mitglied des ohnehin hochkarätigen Casts. Er spielt gegenüber des, im Rest des Films tragisch unterbeschäftigten Bruce Derns und enthüllt eine Geschichte, in der er und der Sohn des Generals sich begegneten. Eine Geschichte, die vor Hohn, Hass und Rache nur so trieft. Und eine Geschichte, die wie so oft bei Tarantino keinen gut aussehen lässt. Die Szene ist der definitive Höhepunkt und eine der besten Darstellungen in Jacksons Karriere. Und sie macht wieder einmal deutlich, dass Tarantino klar die besten Teile seiner Stories für seinen alten Freund beiseitelegt.

Doch auch der Rest des Casts ist nicht zu verachten. Oder sollte es zumindest nicht sein. Bruce Dern ist wie gehabt chronisch unterbeschäftigt, doch wenn er zum Zuge kommen darf, dann aber richtig. Kurt Russel ist offenkundig für die Rolle des Kopfgeldjägers mit Prinzipien geboren worden. Goggins Rolle des Chris Mannix, der sich im Lauf des Films zum eigentlichen Helden mausert, wenn auch einem, den man nicht mögen muss, ist durchweg gut geschrieben und wirkt wie eine Parodie auf die klassischen Westernhelden der 50er, die in der wesentlich brutaleren Version Tarantinos fast deplatziert wirkt. Doch die Wohl brillanteste Darstellung, neben Jackson, liefert Jennifer Jason Leigh in der Rolle der Gefangenen Domergue ab. Ihre Figur ist rassistisch, sadistisch, intelligent und rücksichtslos. Sie hat kein Charisma, wie es Hans Landa in INGLOURIOUS BASTERDS hatte, nicht einmal vermeintliches, wie Calvin Candie aus DJANGO UNCHAINED. Sie ist bösartig und rücksichtslos und hat jede Sekunde einen Höllenspaß daran, ohne sich intelligent aufzuspielen. Und dabei lässt sie ein Selbstvertrauen spüren, dass John Ruths Misstrauen durchaus begründet wirken lässt. Den krassen Gegensatz dazu bildet traurigerweise Tim Roth. Seine Figur des Oswaldo Mobray wirkt zu sauber, zu gespielt offen und charismatisch. Traurig, dass Tim Roth, der eigentlich ein so begabter Darsteller ist, offenbar hier als schlechtere Kopie von Christoph Waltz auftritt. Seine Darstellung ist in keiner Weise wirklich schlecht, aber sie wirkt unnatürlich und nicht so, als würde Roth sie gerne darstellen.

Mehr Stark als Schwach

Doch neben allen Problemen die das Script aufweist, selbst die für Tarantino oft üblichen Lücken in der Story und die bereits erwähnte Länge, überwiegt das Positive. Alles was seine Filme so gut macht, ist da: die cleveren Dialoge, die Spiele mit dem Genre, die vielschichtigen Charaktere, das Blutvergießen und die Gesellschaftskommentare. Nur wirkt das alles viel zu dünn für so einen großen Film. Als Fazit bleibt zu bemerken, dass THE HATEFUL 8 definitiv einen Besuch wert ist. Besser als der Großteil dessen, was sonst in die Kinos kommt ist der Film allemal. Nur leider ist er im Vergleich zu anderen Filmen seines Sortiments leider nicht das, was sich viele Fans des Filmmachers erhoffen würden.

Fotos: Copyright © 2012 Universum Film GmbH – Alle Rechte vorbehalten.

von Lara Luttenschlager

Amateurvideos sind inzwischen ein fester Bestandteil unserer visuellen Kultur und prägen unsere Wahrnehmung von Ereignissen weltweit. Da heute auch in Konfliktregionen nahezu jeder ein Handy besitzt, werden Bürger zu potenziellen Reportern unvorhergesehener Ereignisse, die uns mit Bildern versorgen, von denen Kriegsfotografen noch vor einigen Jahren nur träumen konnten. Von Redaktionen für ihre Berichterstattung aufgekauft oder im Internet recherchiert, gelten Zeugenvideos oftmals dank ihrer authentischen Wirkung als Referenz für „das, was wirklich geschah“. Doch warum nehmen Amateure in dramatischen und lebensgefährlichen Situationen überhaupt die Kamera in die Hand?

Digitaler Kampf um die Gunst des Publikums

Militärisch asymmetrische Konflikte werden auf ideologisch-politischer Ebene ausgetragen, Regierung und Oppositionelle sind daher auf die Unterstützung der öffentlichen Meinung angewiesen. Damit verbunden ist der Begriff der Propaganda, ein Mittel zur systematischen Beeinflussung von Wahrnehmungen und Einstellungen, um beim Publikum den eigenen  Interessen entsprechende Reaktionen zu erzielen. Man will davon überzeugen, die Schuld liege beim grundlegend niederträchtigen Gegner und dass gemeinsames Handeln gegen ihn notwendig sei. Während früher die klassischen Massenmedien als Hauptinstrument der Meinungssteuerung dienten, können im Internet heute auch Amateure ungefiltert ein Millionenpublikum erreichen, vorbei an Redakteuren und Journalisten, jenen Gatekeepern, die vorher entschieden, was an die Öffentlichkeit geriet und was nicht.

Amateurvideos wird große Beweiskraft zugesprochen, da sie besonders authentisch wirken. Meist verwackelt, mit niedriger Auflösung und schlechtem Ton, entgehen sie dem Verdacht, möglicherweise inszeniert worden zu sein und bewirken eine starke Identifikation mit Opfern und Augenzeugen.

Skandalisierung und Schaffung von Öffentlichkeit

Im syrischen Bürgerkrieg beispielsweise haben Oppositionelle die Wunderwaffe Zeugenvideo längst für sich entdeckt. Ein ausgefeiltes  Mediensystem aus lokalen Aktivisten und der Diaspora im Ausland präsentiert uns den Krieg quasi im Live-Stream. Auf unangenehme Weise muss das Assad-Regime feststellen, wie leicht Zensur heute umgangen werden kann. Durch Amateurvideos mit niedergeschossenen Demonstranten und Opfern von Bombenangriffen erzählen Oppositionelle nun ihre eigene Version der Geschichte. Ereignisse, von denen die Welt wohl niemals erfahren hätte, finden so ihren Weg über YouTube und Facebook in unsere Wohnzimmer. Und sie bewegen den Zuschauer: Die Emotionen des Kameramanns sind zu spüren, wenn das Bild verwackelt, Nahaufnahmen der Verletzten und Toten werden gezeigt und das Regime in dramatischen Kommentaren angeprangert. Brutale Angriffe auf die Bevölkerung werden erfolgreich skandalisiert, das Regime somit diskreditiert.

Solidarität und Mobilisierung

Gewalt gegenüber unschuldigen Personen, von Thomas Olesen als violent person-events bezeichnet, können beim Publikum sogenannte moral shocks auslösen. Bei Gewalt gegen friedliche Proteste entstehen besonders intensive moralische Schocks, welche in der Bevölkerung das Gefühl von Verrat durch die eigene Regierung wecken und deshalb besonders starke Mittel sind, um dieser zu schaden und eigene Interessen beim Publikum zu bewerben. Gezeichnet wird das Bild eines Bürgerkriegs, in dem ein brutales, repressives Regime das eigene Volk für sein Streben nach Freiheit bestraft.

Für Oppositionelle ist die Diskreditierung des Regimes über die emotionalisierenden Videos nützlich, da sie eine Polarisierung des langwierigen Konflikts bewirken kann. Die Polarisierung von Konflikten führt zu klar definierten Feinden und somit zu interner Solidarität: Die Akteure sind überzeugt, dass die eigenen Ziele richtig und jene des Gegners falsch sind. Ein gemeinsamer Feind führt zu einem Verbundenheitsgefühl Gleichgesinnter, das Kooperation fördert und somit die Wahrscheinlichkeit kollektiver Aktionen steigert. Zudem steigt das Gefühl, dass der aktuelle Zustand eine akute Krise ist, wodurch eigene Zweifel zugunsten einer schnelleren Lösung zurückgestellt werden.

Weltweite Appelle

Das Feindbild des brutalen, die Freiheit unterdrückenden Regimes soll aber auch in den Rest der Welt hinausgetragen werden: Netzwerke wie das Shaam News Network übersetzen ihre Facebook– und YouTube-Kanäle ins Englische und untertiteln ihre Videos. Denn mitreißende Bilder sind ein entscheidender Nachrichtenfaktor, anhand dessen verhindert werden kann, dass der Krieg im Ausland vergessen wird. Durch das Vorhandensein von Kriegsbildern und somit auch -videos und deren Einbettung in die klassische Berichterstattung werden Kriege in den Köpfen des weit entfernten, internationalen Publikums realer und gewinnen an Bedeutung: der sogenannte CNN- Effekt. Bisher zeigte die konventionelle journalistische Berichterstattung aus Kriegsgebieten selten Opfer in Leidenssituationen und sprach meist von Kollektiven, selten aber von den Schicksalen einzelner Personen. Empathie und jegliche Appellwirkung versiegten. Durch die leichtere Identifikation mit Opfern in Amateurvideos jedoch entsteht das Bedürfnis, etwas gegen das „miterlebte“ Leid zu unternehmen.

Letztendlich scheint es, als erfüllten die Videos ihre Funktion. Selbst soziale Plattformen im Internet unterstützen die Strategien der Opposition. So löschten Facebook und Twitter wiederholt Profile und Kommentare, die dem Regime zugerechnet wurden. YouTube jedoch löschte zunächst Videos von Oppositionellen, weil sie aufgrund ihres brutalen Inhaltes gegen Nutzerregelungen verstießen, stellte diese allerdings bald wieder her und lässt die Video- Aktivisten seitdem gewähren. Vielfach stieß das Material, wie 2013 im Fall der  Giftgasangriffe bei Damaskus, Diskussionen über humanitäre Hilfe und internationale Interventionen an.

Und nun?

Amateurvideos ermöglichen neue Einsichten und Empathie mit weit entfernten Opfern und die Bildung von Gegenmacht in asymmetrischen Konflikten. Das ist gut so. Oft sind sie unsere einzige Informations- und Bildquelle politischer Konflikte, über die sich sonst kaum berichten ließe. Aber: Sie sind Mittel der Gegenpropaganda der unterlegenen Seite, die mit der staatlichen Propaganda in Konkurrenz um die Deutungshoheit und die Herzen des Publikums zu tritt. Und so groß die Vorteile auch sein mögen, Amateure handeln nicht mit den ethischen und professionellen Standards beruflicher Journalisten. Im Vordergrund steht das Ziel, ein Feindbild des Gegners zu errichten und zu verbreiten, das eine gemeinsame, oppositionelle Identität schafft und Unterstützung im Inland und Ausland mobilisiert. Bedenklich kann dies dann sein, wenn die Videos im Internet ohne journalistische Überprüfung und Einordnung zu sehen sind. Die enormen politische Hoffnungen, die in ihre Appellwirkung gesteckt werden, verleiten leicht dazu, Aufnahmen durch Tricks wie künstlichen Rauch etwas zu „verbessern“ oder sie gänzlich zu falschen. Und so gilt es, sie mit ähnlicher Vorsicht zu betrachten wie staatliche Erzeugnisse.

Foto: flickr.com/Dan H (CC BY-NC 2.0)

Von Marius Lang

Ein Mann schleppt sich durch die verschneiten Rocky Mountains. Sein Name ist Hugh Glass. An seinem ganzen Körper gibt es keinen Fleck, der nicht völlig geschunden ist. Frische Narben, nur notdürftig geflickt, übersäen seinen Körper. Kälte, Schmerzen, Hunger und ein enormer Blutverlust erschweren seinen Weg. Doch Glass schleppt sich zielstrebig weiter. Sterben ist für ihn keine Alternative. Nicht, weil er Angst vor dem Tod hat. Der Tod könnte ihm nichts nehmen, was er nicht schon verloren hätte. Doch Glass muss überleben, um den Mann zu finden, der ihn zum Sterben zurückließ. Den Mann, der seinen Sohn ermordet hat. Nur ein Gedanke hält den einsamen Wanderer am Laufen: Rache.

THE REVENANT – DER RÜCKKEHRER ist der neueste Film des mexikanischen Regisseurs Alejandro González Iñárritu, der erst im letzten Jahr für BIRDMAN mit Oscars überhäuft wurde. Und auch sein neuester Film wird bereits von der Academy umworben. THE REVENANT ist dabei vielleicht sein bester Film, mit Sicherheit jedoch sein körperlich brutalstes Stück. Angesiedelt in der verschneiten, eisigen Wildnis der Rocky Mountains Anfang des 19. Jahrhunderts und semibiographisch angelehnt an die Erlebnisse des Trappers Hugh Glass ist THE REVENANT einer der bildgewaltigsten und härtesten Filme des letzten Jahres.

Es war einmal in den Rocky Mountains

Die Geschichte spielt 1823. Eine kleine Gruppe Trapper ist in der amerikanischen Wildnis auf der Jagd nach Pelzen. Doch als das Lager der Trapper von zornigen Ureinwohnern angegriffen wird, sind die wenigen Überlebenden zur Flucht über einen Umweg gezwungen. Die Führung auf diesem Weg soll Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) übernehmen, der mit seinem Sohn Hawk, einem Halb-Pawnee, Teil des Jagdtrupps ist. Doch kurze Zeit später wird Glass von einer Bärin angegriffen. Zwar schafft er es, das wilde Tier im Kampf zu töten, doch wird er dabei arg mitgenommen. Seine Kehle ist aufgeschlitzt, seine Brust und Rücken wurden von den Klauen der Bärin in Fetzen gerissen. Für den Rest der Truppe ist klar, lange überlebt Glass nicht.

Eine kleine Truppe soll mit Glass zurückbleiben, ihm auf dem Weg in das große Unbekannte beistehen, ihn anständig beisetzen und anschließend nachkommen. Glass‘ Sohn Hawk und der junge Jäger Jim melden sich schnell freiwillig, doch erst das Versprechen einer Belohnung bringt den mürrischen Jäger John Fitzgerald (Tom Hardy) dazu, sich zu melden, ein in der Vergangenheit skalpierter Mann, geldgierig und ohnehin nicht gut auf Glass zu sprechen.

Es kommt wie es kommen muss: Fitzgerald versucht nach kurzer Zeit Glass zu töten, als er jedoch dabei von Hawk erwischt wird, ersticht er diesen und versteckt dessen Leiche. Glass muss den Mord mit ansehen, ist jedoch zu schwach, sich mitzuteilen. Danach lassen Fitzgerald und Jim, dem Fitzgerald eine Lüge von nahenden Ureinwohnern auftischt, Glass zum Sterben zurück, in einem flachen Grab, halb von Erde bedeckt. Doch Glass kann noch nicht sterben.

Ein Racheepos ohne Schleifen

THE REVENANT ist ein absolut schnörkelloser Racheepos. Nicht die Vergangenheit, die Protagonist Glass und Antagonist Fitzgerald miteinander hatten, ist wichtig. Die beiden kennen sich schließlich kaum. Nur der Moment ist noch von Bedeutung, der Moment, in dem Fitzgerald Hawk ermordet. In diesem Moment ist Glass etwas Schlimmeres als der Tod widerfahren. Der Gedanke daran lässt Glass aus seinem Grab aufstehen. Er stemmt sich mit aller Kraft gegen den Tod, windet sich gegen die Kälte in den Pelz der Bärin, die er zur Strecke brachte und nimmt die Verfolgung auf. Auf dieser Jagd muss er jedoch nicht nur mit dem Unwillen der Natur, seinen gravierenden Verletzungen und dem Hunger kämpfen. Auch die Ureinwohner, welche das Camp der Trapper angegriffen hatten, sind noch immer auf der Jagd nach ihm und den übrigen Überlebenden.

Aus dieser recht simplen Story zaubert Iñárritu einen der spannendsten Filme seit langem. Die Kampfsequenzen, ob gegen Menschen oder Tiere sind brutal, blutig und eindrucksvoll gefilmt. Der Kampf zwischen Glass und der Bärin, die eigentlich nur ihre Jungtiere beschützen will, ist dabei eine der heftigsten Szenen des Films, die jedoch gleichermaßen fesselt. Doch auch die ruhigeren Szenen des Films, und auch diese gibt es immer wieder, schaffen es oft, wenn auch nicht immer, die allgemeine Spannung aufrechtzuerhalten. In diesen Szenen wird vor allem der Beziehung von Glass und Hawk Aufmerksamkeit geschenkt und die Vater-Sohn-Bindung ergreifend dargestellt. Doch nicht alle dieser ruhigeren Szenen erfüllen ihren erwünschten Zweck. So gibt es einige, wenige, Momente, in denen sich das Geschehen etwas zieht. Doch dies wird schnell wieder von weiterer Spannung abgelöst

Keine Worte, sondern Taten

Viel Dialog wird nicht geboten. Es sind die Bilder, die den Großteil der Story erzählen. Die Taten, die die Figuren charakterisieren. Hauptfigur Glass stolpert, kämpft und schleppt sich den größten Teil des Films alleine durch die verschneite Wildnis. Noch nicht einmal ein innerer Monolog oder ein Selbstgespräch unterbricht seinen Kampf mit der Natur und sich selbst. DiCaprios Hugh Glass ist allein auf seinem Feldzug und zu verlieren hat er nichts mehr. Kurios, dass DiCaprio, der sonst so oft in redegewandten Figuren glänzt, mit der Rolle des Hugh Glass eine der besten Leistungen seiner Karriere abliefert. Sein Text besteht über weite Teile der Geschichte nur aus Stöhnen, Schreien und Grunzen und doch ist es eine der besten Darstellungen des Jahres. Doch auch die anderen Rollen sind alle hervorragend besetzt, allen voran Tom Hardy als Antagonist John Fitzgerald. Hardys Figur ist nicht direkt böse, aber skrupellos, gierig und absolut pragmatisch. Kein echter Bösewicht, aber ein rücksichtsloser Bastard vor dem Herren.

Was den Film jedoch noch zusätzliche Gravität verleiht, ist dessen Optik. Mit natürlichem Licht gedreht, weswegen es oft recht trüb aussieht, ist THE REVENANT auch ein bildgewaltiger Film. Die Härte der Umgebung, die mörderischen Temperaturen, all das lässt sich in den Bildern spüren. Und die Naturaufnahmen von gewaltigen moosbedeckten Wäldern, reißenden Gebirgsflüssen und weiter, verschneiter Steppe sind durch die Bank eine Augenweide, die selbst durch all das rote Blut der Darsteller nicht getrübt werden kann.

Fazit

THE REVENANT ist eine reinrassige Tour de Force, ein blutiger Western und eine tragische Geschichte von menschlichen Abgründen, Grausamkeit, Rache und Erlösung. Dazu ist der Film wunderschön, von einem rein ästhetischen Standpunkt aus. Wer ihn sich noch nicht zur Gemüte geführt hat, sollte dies schnellstens nachholen.

Fotos: © 2015 Twentieth Century Fox