von Sanja Döttling

Tony Stark war nie der höflichste Milliadär, und das wird ihm in dritten Teil der Saga zum Verhängnis. Vor ein paar Jahren ließ er den hässlichen, aber brillanten Wissenschaftler Aldrich Killian abblitzen und muss jetzt mit den Folgen leben. Chirurgisch überarbeitet und mit neuem Anzug kommt Killian zurück und versucht sich nicht nur Starks Imperium, sondern auch seine Freundin Pepper unter den Nagel zu reißen. Ein ungünstig gewählter Zeitpunkt, denn in der Beziehung von Pepper und Tony läuft nicht alles rund. Wer will auch schon Mann und Bett mit einem Kampfanzug teilen? Kilian hat eine Methode entwickelt, die Gene des menschlichen Körpers zu verändern – eine Methode, die nur zu leicht als Waffe gebraucht werden könnte.

Weitere Gefahr droht von dem Terroristen Mandarin. Die Auseinandersetzung wird persönlich, als bei einer von Mandarin geplanten Explosion Tonys Sicherheitschef  verletzt wird. Völlig unvorbereitet stolpert Tony Stark in den ersten Kampf und kann nur mit Mühe und einem stark beschädigten Anzug entkommen. Nicht nur der Anzug ist angeschlagen: Seit dem Alien-Angriff auf New York, der im letzten Marvel-Film „The Avengers“ erzählt wird, leidet der taffe Tony Stark an Panikattacken. Nicht die besten Voraussetzungen, um einer terroristischen Vereinigung und einem genveränderten Schönling entgegen zu treten.

Reich und Schön

In den letzten Jahren wurden die Marvelverflimungen immer erfolgreicher. Iron Man 3 bis jetzt  eine Millarde Dollar weltweit ein und steht damit schon jetzt auf Platz 16 der erfolgreichsten Filme aller Zeiten. Vorgänger „The Avengers“ belegt übrigens Platz Drei. Das Franchise „Marvel“ hat sich damit endgültig seinen Platz in der Top-Liga erstritten.

Alles auf Anfang

Es ist nur ein konsequenter Schluss, auf Höhe des Erfolgs zum Anfang zurückzukehren. Genau dazu ist Iron Man nämlich gezwungen. Nachdem er nur knapp dem Angriff des Mandarin entkommen konnte, sind Geld, Labor und Autos dahin. Aus dem superreichen Playboy wird wieder der Tüftler Tony, der ganz wie McGyver zum rudimentären Erfinden zurückkehren muss. Ein einfacher und doch effektiver Weg, um aus dem Superhelden einen Underdog zu machen, nicht unähnlich wie im ersten Teil. Neue Verletzlichkeit gewinnt Tony auch durch die Panikattacken, die seinem Charakter mehr Tiefe geben sollen – auch wenn dieser Griff in die Emotionalitätskiste sicher nicht die Neueste im Filmbusiness ist.

Regisseur Shane Black hat schon 2005 mit Robert Downey Jr. zusammengearbeitet, damals bei seinem Regiedebut mit der Actionkomödie „Kiss Kiss Bang Bang“, die gleichzeitig die Rückkehr Downeys auf die große Leinwand markierte. Jetzt kommt das Paar erneut zusammen. „Iron Man 3“ ist actionreicher denn je, alles ist auf Hochglanz poliert. Es ist Popcornkino von seiner besten Seite, und auch auf die Handlung wurde wert gelegt. Das ist nicht bei jedem Actionfilm so.

Aus zwei mach eins

Die Handlung des dritten Teils vereint zwei bekannte Handlungsstränge aus dem Comic, die Geschichte des Bösewichts Mandarin (überraschend und furchterregend: Ben Kingsley) und die Story um „Extremis“, die genetische Veränderung des Körpers. Der aus den 60er Jahren stammende Terrorist Mandarin wäre für die heutige Kinoleinwand zu eindimensional. Im Comic ist er einfach nur der böse Kommunist; im Jahr 2013 reicht diese plakative Beschreibung nicht mehr aus. Deshalb haben die Drehbuchautoren Drew Pearce und Shane Black sich hier eine ganz besondere Auflösung einfallen lassen, die beide Handlungen auch zusammenführt. Fans werden vielleicht entsetzt sein; andere werden den frischen Wind lieben.

Eine andere positive Überraschung ist Pepper Pots. Sie ist nämlich mehr als ein weibliches Loveinterest. Zwar ist „Iron Man 3“ noch lange kein Fall für den Bechdel-Test, aber dennoch wird Pepper als weibliche Figur ernst genommen. Sie ist nicht nur Firmenchefin, sondern führt mit Tony auch eine überraschend alltägliche, gleichberechtigte Beziehung. Schön, eine Frau mal nicht nur als Damsel in Distress zu sehen.

Doch ein neuer Faktor (abgesehen von den lebensbedrohlichen Gegnern Tonys) wirft ein Schatten auf die Beziehung. Tony schafft es, den KI-Butler Jarvis seinen Anzug steuern zu lassen. Aus dem Anzug mit der künstlichen Intelligenz entwickelt sich so eine neue Eigendynamik, die auch gern mal in Tonys Schlafzimmer eindringt. Die Fragen, inwieweit sich der Iron Man von Tony Stark entfernt hat, und wie abhängig Tony von seiner eigenen Erfindung geworden ist, werden in diesem Film aufgegiffen. Ist der Superheld die Rüstung? Oder Tonys Erfindergeist?

Lineare Erzählungen waren gestern

Die Comics von Marvel (und DC) hatten schon immer eine anspruchsvolle Chronologie. Alle Superhelden fungieren im gleichen Universum, haben aber andere Handlungsstränge. Außerdem erschienen oft parallel Comic-Bände, die sich auf einen Superhelden konzentrieren, und Bände, die eine ganze Gruppe Superhelden  im Blick haben (wie Avengers). Was dazu führte, dass Helden teilweise in zwei Handlungen „gleichzeitig“, aus Rezipientensicht, zugange waren. Zusätzlich verstärkt wird die Verwirrung durch die Riege der Comicautoren und –zeichner, die die Geschichten manchmal etwas anders erzählen. Die sämtlichen Parallelwelten, in denen Iron Man zugange ist gibt es hier in einer langen Liste.

Lineares Erzählen war in Comics schon lange gestern. Jetzt hat diese Erzählstruktur teilweise auch auf die Marvel-Verfilmungen übergegriffen. Zwar wird hier nur eine Handlung erzählt. Aber „Iron Man 3“ ist der erste Film, der als Fortsetzungen zwei anderer Filme gleichzeitig gilt: Einmal „Iron Man 2“, und zusätzlich „The Avengers“. Aus ersterem wurde die Beziehung mit Pepper fortgesetzt. Aus letzterem behält Tony Stark seine Panikattacken bei. Klingt unkonventionell, ist aber gut gelungen. Der Film sieht sich wie aus einem Guss, Handlungsstränge sind gekonnt ineinander verwoben. Auch die  schöne Hochglanz-Action mit meist zotigem Humor trägt dazu bei.

Fotos: TM & © 2013 Marvel & Subs. All Rights Reserved.

von Selina Juliana Sauskojus

Nach dem Zweiten Weltkrieg floriert die USA. Die Wirtschaft wächst kontinuierlich, in den 70er Jahren endet Vietnamkrieg, Hippies beginnen die Straßen zu bevölkern. Frieden liegt in der Luft. Doch der Feind versteckt sich nicht ungern in den eigenen Reihen. Und er tarnt sich meist sehr geschickt. Vornehmlich in Shopping Malls, Autohäusern und überall dort wo der glückliche Amerikaner sein Geld ausgeben kann. Die Versprechungen von Wohlstand und Glück, die die Industrie macht, scheinen den Bürger zum willenlosen Konsumenten gemacht zu haben. Diese Entwicklung verarbeitet George A. Romero im zweiten Teil seiner Zombietrilogie und verlegt die Handlung in ein Setting, welches das Herz konsumwütiger Menschen höher schlagen lässt: das Einkaufszentrum.

„When there’s no more room in hell, the dead will walk the earth“

Dawn of the Dead setzt zeitlich kurze nach Romeros erstem Zombiefilm Night of the living Dead (1968) ein. Untote wandeln auf der Erde, auf der Suche nach Lebenden, die sie sich einverleiben können. Wer nur ein einziges Mal gebissen wird, verwandelt sich vom Lebenden in einen wandelnden Untoten. In einem Fernsehstudio in Philadelphia werden letzte Versuche unternommen die Öffentlichkeit mit Informationen über die Katastrophe zu versorgen. Doch auch hier greift das Chaos langsam aber sich um sich. Mitarbeiter des Senders, das Paar Stephen und die schwangere Fran, wollen angesichts der aussichtslosen Situation ihr Heil in der Flucht suchen. Mit einem Hubschrauber und zwei SWAT-Mitgliedern, Roger und Peter, machen sie sich auf die Suche nach einem sicheren Refugium. In den vollständig ausgeplünderten amerikanischen Landstrichen findet sich kein Treibstoff mehr. Notgedrungen landen die vier auf dem Dach einer Shopping Mall. Dort beschließen sie sich zu verschanzen. Die Gruppe richtet sich häuslich ein, indes sammeln sich mehr und mehr Untote um das Einkaufszentrum herum. Während die offensichtliche Gefahr vor den geschlossenen Toren umherwandelt, beginnt der subtilere Feind, die Gruppe allmählich zu zersetzen. Fasziniert und geblendet von den Möglichkeiten, die ein Einkaufscenter ihnen bietet, entfremden sich die Gruppenmitglieder voneinander und von sich selbst.

 Ein sicherer Hafen für Mensch und Zombie

Das Einkaufszentrum stellt in Dawn of the Dead nicht nur ein Setting dar. Mit dem Handlungsort überträgt Romero den wichtigsten Anlaufpunkt des modernen Menschen in ein Horrorszenario.

Die Gruppe wird angezogen vom Angebot, das ihr ein möglichst langes Überleben sichert. Selbiges gilt für die Untoten, die vom lebendigen Fleisch der Gruppenmitglieder angezogen werden.

Der Protagonist Stephen sieht jedoch andere Beweggründe für den Auflauf der Untoten: „It’s some kind of instinct. Memory… of what they used to do. This was an important place in their lives.“

Das Stichwort lautet Instinkt: Ein unbewusst gesteuerter, natürlicher Trieb, der jedem Menschen innewohnt. Ein derartiger Instinkt entsteht aber nicht, wenn man sich als Gelegenheitsshopper einmal pro Monat in die städtischen Einkaufsstraßen begibt. Ein Instinkt sichert das Überleben, schützt vor Gefahren. Der Drang Dinge zu besitzen, sie zu horten und zu verteidigen, ist tief im Menschen verwurzelt. Romero zeigt, wie zerstörerisch dieses triebhafte Verhalten letztlich sein kann.

Der Überfluss führt dazu, dass sich die Gruppe immer mehr zersetzt. Anstatt sich mit ihren unbestreitbar vorhandenen Problemen auseinanderzusetzen, verbringen die Überlebenden ihre Zeit damit Schlittschuh zu laufen, sich neu einzukleiden und Candlelight-Dinners zu veranstalten. Pläne weiterzuziehen werden alsbald verworfen, man habe ja schließlich alles was man brauche.

Der Wahnsinn um Konsum und Besitz gipfelt am Ende im Überfall einer plündernden Motorrad-Gang. Anstatt sich und seine überlebenden Freunde zu schützen, verteidigt Stephen „seine“ Mall. Peters Warnungen, die Gang sei nur an den Gütern, nicht aber an ihrem Leben interessiert, schlägt er in den Wind. Letztlich ist ihm der Besitz von Luxusgütern wichtiger geworden, als das Überleben der eigenen Familie und der Freunde.

Der passive Konsument

Als die Gruppe sich im Einkaufszentrum verschanzt, findet sie zunächst einige Zombies vor, die durch das Gebäude wandeln. In der Darstellung unterscheiden sie sich jedoch kaum von lebendigen Besuchern. Entrückte Blicke, ein schlendernder Gang – so sehen Shopper an einem Samstagmittag aus. Oder eben Untote, die sich auf der Suche nach Nahrung befinden.

Was sowohl die Zombies als auch die Überlebenden vereint, ist ihre Passivität. Sie alle geben sich dem Instinkt hin und werden am Ende zu lethargischen Kreaturen ohne bestimmtes Ziel.

Dass der Regisseur dies nicht nur als Problem weniger Menschen betrachtet, wird dadurch deutlich, dass aus Menschen jeder Bevölkerungsgruppe, jeder religiösen Gemeinschaft und jeden Alters letztlich zu Zombies mutieren. Der Hippie, die Nonne und auch der Erstklässler. Alle sind dem Konsum ausgesetzt und keiner kann ihm am Ende entgegentreten.

Fazit

In Deutschland landete Zombie, so der deutsche Filmtitel, zunächst auf dem Index. Die Gore-Elemente schienen etwaige gesellschaftskritische Aussagen vollkommen in den Hintergrund zu drängen. Dennoch vermag keine andere Verbildlichung als der passiv agierende, lethargische Zombie so genau zu illustrieren, was in Überflussgesellschaften vor sich geht. Den Spiegel hat uns Romero vorgehalten, verändern konnte er nichts. Letztlich bleibt ihm aber noch immer der Verdienst einer der Großen des Genres zu sein und den Horrorfilm salonfähig gemacht zu haben.

Fotos: Sceenshots „Dawn of the Dead“, Copyright: Laser Productions

von Stefanie Molitor

Ja, ich habe es getan! Wenn man die Chance hat, einen der erfolgreichsten und umstrittensten Dokumentarfilmer Deutschlands in einem Workshop zu treffen, sollte man sie nutzen. So erlebte ich das wohl ungewöhnlichste Interview-Training meines Lebens.

Eine E-Mail in meinem Postfach berichtet mir von dem außergewöhnlichen Angebot im Haus des Dokumentarfilms: Der Filmemacher Rosa von Praunheim leitet in Stuttgart eine zweitägige Meisterklasse zum Thema Interviewführung.

Sofort fange ich an, mein Gedächtnis aufzufrischen. Mit seinem Film „Nicht der Homosexuelle ist pervers, sondern die Situation, in der er lebt“ wurde der Filmemacher mit dem Faible für verrückte Hüte  1971 zum Pionier der Schwulen- und Lesbenbewegung in Deutschland. Rosa von Praunheim heißt mit bürgerlichem Namen Holger Bernhard Bruno Mischwitzky und ist selbst bekennender Schwuler. In einer RTL- Show outete er 1991 die Prominenten Alfred Biolek und Hape Kerkeling und sorgte so für einen handfesten Medienskandal. Seine Filmographie umfasst über 60 Werke. Zu seinem 70. Geburtstag im November 2012 drehte Rosa von Praunheim für jedes seiner Lebensjahre einen weiteren Film. 700 Minuten davon wurden im RBB ausgestrahlt. Keinem Dokumentarfilmer vor ihm wurde so viel Sendezeit zur Verfügung gestellt.

Ich gehöre definitiv nicht zu den extrovertiertesten Personen der Welt. Bei dem Gedanken, zwei Tage mit dem schrillen und unkonventionellen Rosa von Praunheim zu verbringen, wird mir mulmig. Ich klicke auf „Anmelden“, bevor ich es mir anders überlege.

Verliebt euch!

Der Dokumentarfilmer macht seinem Namen alle Ehre, als ich am Tag des Workshops um die Ecke des Eingangs biege. Hut und Hemd strahlen mir in grellem rosa entgegen, seine 70 Jahre sieht man ihm nicht an.

Der Workshop beginnt, noch bevor wir die Seminarräume betreten haben, denn eine Parkplatz suchende ältere Dame wird zum ersten unfreiwilligen Opfer des Interviewmeisters: „Wo wollen Sie hin? Zum Notar? Was machen Sie da? Haben Sie Geld? Haben Sie was zu vererben?“. Da ist er, der Praunheim‘sche Interviewstil: Direkt, eindringlich, ohne Berührungsängste, ohne Tabus.  Um das zu lernen, sind wir hier.

Rosa von Praunheim hat kurze Gedichte verfasst, die er an uns 22 Workshopteilnehmer verteilt – in fast jedem kommen Wörter wie Sex oder Penis vor. Die „Stoßrichtung“ der folgenden Interviews ist offensichtlich. Ein Eichhörnchen, das mit Nüssen wirft, bildet da keine Ausnahme. Nachdem der erste Workshopteilnehmer das Gedicht vorgetragen hat, steigt Rosa direkt ins Interview ein: „Schmeißt du auch manchmal mit Nüssen?“

Wir werden Zeuge, wie Rosa binnen weniger Minuten Knackpunkte in der Persönlichkeit entdeckt und seinen Gesprächspartner für sich öffnet. Drei Stunden Workshop und zehn Interviews später kenne ich zwar immer noch keinen einzigen Teilnehmer mit Namen, aber ich weiß, wer Angst vor dem Tod hat, welcher Typ Mann hoch im Kurs steht oder wie oft in der Woche Bettsport betrieben wird.

„Ihr müsst die Person, die ihr interviewt, lieben.“ Egal ob es eine unschuldige Oma oder ein kaltblütiger Neonazi ist. „Wenn ihr die Gesichter der Interviewpartner genau beobachtet, jedes kleine Detail wahrnehmt, werdet ihr euch verlieben.“ Und das glaubt man ihm sofort. Im Interview weckt seine ruhige Stimme Vertrauen, sein intensiver Augenkontakt vermittelt ehrliches Interesse.

Aber ist es wirklich notwendig, privateste Details an die Öffentlichkeit zu zerren? Rosas Meinung ist eindeutig: „Was uns interessiert, ist das Böse und Schmerz. Wenn ihr einen Film macht, seid ihr keine moralische Anstalt. Ihr müsst unmoralisch sein. Je schöner eine Geschichte, desto eher fehlen die Konflikte und damit auch das, was Menschen interessiert.“

Ankunft einer Königin

Nach der Mittagspause ziehen wir in den Garten um. Rosa von Praunheim probt mit uns die Ankunft einer Königin. Was es damit wirklich auf sich hat, verrät er nicht. Die ganze Szenerie wird immer absurder, als plötzlich auch noch das zweiköpfige Filmteam von Rosa von Praunheim auftaucht. Trotzdem jubeln und jammern wir auf Kommando, üben das Huldigen und Anhimmeln einer imaginären Adligen und spekulieren in die Kamera, wer diese Königin sein könnte. Ganz ehrlich? Ich habe selten eine abstrusere Situation erlebt und hoffe insgeheim, dass sich dahinter eine kluge Übungseinheit zum Thema „Wo liegt meine Schmerzgrenze?“ verbirgt. Als dann die Königin – übrigens eine ältere Dame mit Sonnenbrille und knalligem Nagellack –  nach einer gefühlten Ewigkeit tatsächlich doch noch auftaucht, ist die Vorfreude in der Gruppe dezenter Ungeduld gewichen. „Natürlich bin ich keine Königin, sondern die Besitzerin des „Kings Club“ in Stuttgart“. Aha … und dafür das ganze Theater? Ja. Die Inszenierung war ein spontaner Einfall Rosa von Praunheims. Für sein neues Portrait über Laura Halding Hoppenheit, die „Königin“ eines schwul-lesbischen Nachtclubs. Und wir waren seine Statisten.

Rollentausch

Nach diesem Happening beginnt der nächste Tag fast enttäuschend unspektakulär. In einem Sitzkreis sprechen wir über das Filmemachen, über Inszenierungen und Übungsaufgaben: Eine Straßenecke acht Stunden lang mit der Kamera zu beobachten, eine Szene aus neun unterschiedlichen Perspektiven zu drehen oder ein und denselben Film zehn Mal hintereinander anschauen, um immer wieder auf einen andern Aspekt der Gestaltung zu achten. Doch schon wenig später schlägt die Spontaneität Rosa von Praunheims wieder zu. Ich  finde mich im Partyspiel „Psychose“ wieder, bei dem es darum geht, die Einstellungen und Vorlieben der Menschen um mich herum einzuschätzen. Auch in der folgenden Improvisationsrunde, in der wir versuchen einen Spielfilm zu inszenieren, geht es um spontane Interaktion und um die Fähigkeit, sich in andere Menschen hineinzuversetzen. Was es bedeutet, dabei gnadenlos direkt zu sein, führt uns Rosa von Praunheim in der nächsten Übung vor Augen. Platziert wie auf einem Präsentierteller sehen sich die drei männlichen Teilnehmer plötzlich mit 19 weiblichen Augenpaaren konfrontiert: Fleischbeschau. Frau soll zuordnen: Wer ist der unattraktivste Mann, wer der einfühlsamste Liebhaber und wer am ehesten ein Kinderschänder? Unbehagen macht sich auf beiden Seiten breit. Was soll das? Ist das einfach nur demütigend und verletzend? Oder etwa doch notwendig unmoralisch? Es sei nichts weiter als eine Umkehr der üblichen Rollenmuster. Rosa scheint sich sichtlich über unsere Gewissenskonflikte zu amüsieren. Die Minuten vergehen qualvoll langsam. Am Ende sind nicht nur die Männer erleichtert, dass mit dem Abschluss des Workshops auch diese Übung vorbei ist.

Noch bevor wir uns alle voneinander verabschiedet haben, ist Rosa von Praunheim schon wieder verschwunden – und der Workshop vorbei. Ja, ich habe etwas über die Kunst des Interviews gelernt. Ich habe viele Dinge getan, die ich eigentlich nie tun wollte: Ich habe mit fremden Menschen über private Themen gesprochen, die sie meiner Meinung nach eigentlich nichts angehen. Ich habe eine fiktive Königin angebetet und dafür jede Rationalität abgelegt und ich habe immer wieder meine eigenen Grenzen hinterfragt und getestet.

Ein Selbsterfahrungstrip getarnt als Interviewtraining. Öfter mal was Neues. Vielleicht sollte man sich Rosa von Praunheims Schlussworte also doch einmal zu Herzen nehmen: „Schönen Lebensabend noch! Es kann jederzeit vorbei sein – also macht das Beste draus.“

von  Selina Juliana Sauskojus

Was haben Die Nacht der lebenden Toten, Inglorious Basterds und American Beauty gemeinsam? Es sind drei Filme aus drei unterschiedlichen Jahrzehnten, gedreht von drei Regisseuren, die ein und dasselbe Ziel verfolgen: der Gesellschaft den Spiegel vorhalten. Die Aufforderungen an das Publikum zur Selbstreflektion sind häufig subtiler, als man denkt. Mnachmal braucht es sogar einige Jahre, bis man die Aussage eines Werks in den gesellschaftlichen Kontext bringen kann.

Wünsche, Weltkriege, Wirtschaftswunder. Oder aber die Auseinandersetzung des Individuums mit sich selbst und der Gesellschaft, das Leben in einer immer schneller werdenden Welt, in der man sich kaum noch zurechtfindet. Dies sind Stoffe, mit denen sich Filmemacher seit der Entstehung des Mediums auseinandersetzen. Mal mehr, mal weniger offensichtlich. Wer käme schon auf den ersten Blick auf die Idee eine Horde Zombies, die sich vor einem Kaufhaus postieren, mit Menschen gleichzusetzen, die im wirtschaftlichen Aufschwung schwelgen?

Es sind aber nicht nur die greifbaren gesellschaftlichen Änderungen, die für diese Arbeit von Interesse sind, sondern auch abstrakte Änderungen im Menschenbild, die sich im Laufe des 20. Jahrhunderts herauskristallisiert haben. Die Nacht der lebenden Toten von George A. Romero beschäftigt sich mit der neu erwachten Konsumgesellschaft, Funny Games von Michael Haneke beleuchtet die Verrohung der Gesellschaft durch die explizite Darstellung von Gewalt im Film. Im Gegenzug dazu gab es andere Filme, die sich mit dem Menschen als Individuum auseinandergesetzt haben.  So zum Beispiel The United States of Leland von Matthew Ryan Hoge, der die existentialistische Weltauffassung des französischen Philosophen Albert Camus aufgreift und in die USA des 21. Jahrhunderts überträgt.

Umstritten und von der Kritik weitestgehend missverstanden ist der amerikanische Regisseur Terrence Malick. Der Ausnahmeregisseur steht im Ruf zu spirituell und zu moralisch sein. Sein Film The Tree of Life (2011) polarisierte wie kein anderer Film im Erscheinungsjahr. So sehr, dass oftmals das eigentlich wichtige außer Acht gelassen wurde: das filmische Werk so wie dessen Aussage und Ästhetik selbst.

Im Rahmen des Projektstudiums „Film und Gesellschaft“ sollen diese und fünf weitere Filme aus den letzten rund 70 Jahren rezensiert werden, vor allem in Hinblick auf deren kulturelle und gesellschaftliche Bedeutung. Dabei sollen Filme in den Kontext ihrer Zeit gesetzt und untersucht werden, wie eine gesellschaftliche Entwicklung zu einem gewissen Zeitpunkt wahrgenommen wird, wie sie letztlich vom Regisseur in einem Film verarbeitet wird und wie vor allem die zeitgenössische Kritik einen solchen Film auffasst und bewertet.

Die Serie zum Projektstudium wird immer donnerstags auf media-bubble.de erscheinen. Die Übersicht gibt es hier.