Von Antje Günther

Die klassische Dystopie ist kein optimistisches Stück Genregeschichte. Die Erzählungen sind düster und auf eine Besserung der Zustände des Protagonisten wartet man vergeblich. Entstanden im Zeitraum der 20er bis 40 oder 50er Jahre, je nach Zuordnung, reflektieren sie eine Zeit der Umbrüche und gewalttätigen Auseinandersetzungen. Insbesondere den Werken Orwells und Huxleys ist dabei große Nähe zu realpolitischen Ereignissen und Situationen zu entnehmen.

Die Inspirationen der klassischen Dystopie

So zeigen sowohl Nineteen-Eighty-Four als auch Brave New World klare Parallelen zum sovietischen Sozialismus der damaligen Zeit. Beide Werke richten sich gegen die Regierung und Visionen Stalins und porträtieren eine negative und absolutistische Version des einstigen utopischen Ideals des Sozialismus. Dabei lehnten beide den Sozialismus an sich jedoch nicht ab. Gerade Orwell, in dessen Werk die anti-stalinistischen Tendenzen deutlicher heraustreten als bei Huxley, war überzeugter Sozialist und plädierte für seine Vision eines demokratischen Sozialismus. Sein Kampf galt dem Totalitarismus, welcher den Sozialismus in der UdSSR prägte.

Ein weiterer wichtiger geschichtlicher Bezugspunkt der klassischen Werke waren die Utopien H. G. Wells. Insbesondere A Modern Utopia (1905) and Men Like Gods (1923) fungierten als Ansatzpunkte ihrer negativen Gegenerzählungen. So konzipierte Huxley Brave New World als klare Antwort auf Men like Gods und verkehrte Wells optimistische Ideen von technischem und biologischem Fortschritt in das Gegenteil. Technologie und Wissenschaft sind in Brave New World die treibenden Motoren der Überwachung. Die Biologie des Menschen wird bereits vor der Geburt künstlich manipuliert, um die Zugehörigkeit und Akzeptanz der Kaste sicherzustellen. Auch Orwell teilte Wells Fortschrittsoptimismus nicht und erschuf ein System, in dem Medien und Technik der Kontrolle dienen; der Teleschirm bildet hier das markanteste Beispiel. Aber auch außerhalb dieser beiden Klassiker ist das Motiv der Kontrolle durch Wissenschaft und Technik zu finden: in Zamyatins We (1921) wird ähnlich wie in Brave New World die Biologie des Menschen kontrolliert, in Bradburys Fahrenheit 451 (1953) fungieren die „parlor walls“ (riesige Videoleinwände) als Ablenkungs- und Ruhigstellungsmechanismus.

Sexualität als Rebellion

Neben diesem Fokus auf Technologie und Wissenschaft teilen die Werke eine weitere Gemeinsamkeit: sie thematisieren die Sexualität des Menschen und zwar als etwas, das kontrolliert werden muss. Passion und Liebe sind verpönt und verboten, wer schwanger werden darf ist, strikt geregelt. Es gibt „sex crimes“ in Nineteen-Eighty-Four, Schwangerschaftssubstitute in Brave New World und Wes O-90 wird die  Schwangerschaft aufgrund ihrer Körpergröße verboten. Dabei ist interessant zu beobachten, wie unterschiedlich die Normen ausfallen. Bei Orwell ist die freie Liebe untersagt, Sex wird nur mit proletarischen Prostituierten oder der eigenen Frau zähneknirschend gestattet. Winstons Affäre mit Julia stellt somit das große Verbrechen dar. Ähnlich verhält es sich in We, wo Sexualpartner vom Staat zugewiesen werden und  D-503s Bewunderung für die trinkende und flirtende I-330* die Regeln bricht. In  Huxleys Gesellschaft hingegen ist Promiskuität die Norm, schon Kinder sollen an erotischen Spielen mit ihren Altersgenossen teilnehmen. Dabei sind Sexualität und Reproduktion getrennt, Kinder entstehen durch die Wissenschaft. In dieser Gesellschaft ist es Lenina, die durch ihr Sexualleben auffällt. Sie hat stets nur einen Sexualpartner zur gleichen Zeit, was sie aus der Masse hervorstechen lässt.

Durch diese Regulierung der Sexualität ergibt sich für die Figuren jedoch auch ein Weg der Rebellion. Es sind insbesondere diese Regeln, gegen die sie sich stellen und die sie durch ihr Verhalten brechen. Sie gehen Affären oder fast Affären ein oder weigern sich der Promiskuität der Gesellschaft zu unterwerfen. Die eigene Sexualität wird somit zur Waffe, zur Möglichkeit der Selbstbestimmung.

Und am Ende steht der Anfang

Weit führen diese Rebellionen schlussendlich jedoch nicht. Sie alle scheitern: an der Gesellschaft oder an sich selbst. Das System bleibt unverändert. Winston und D-503 werden einer Gehirnwäsche unterzogen und leben fortan glücklich weiter als Rädchen im System; John „the Savage“ begeht Selbstmord. Sie alle konnten letztendlich das System nicht verändern; ihre Rebellion ist persönlich und auf ihr eigenes Leben, auf ihre eigene unmittelbare Umgebung bezogen. Die Erzählungen enden düster und genau dort, wo sie begannen. Optimismus lässt sich nur außerhalb der Seiten finden, in der Hoffnung, dass es durch dieses Wissen nun nicht so weit kommen wird. Einzig Geschichten wie Fahrenheit 451, welche in der Flucht des Protagonisten Guy Montag zu den Verbannten und der Zerstörung der Stadt durch Atombomben endet, lassen einen Hoffnungsschimmer erkennen. Deshalb werden sie häufig auch bereits als Vorläufer oder Mitglieder der Kritischen Dystopie angesehen, welche im nächsten Artikel dieser Reihe zum Thema gemacht wird.

* In Zamyatins We besitzen die Figuren keine Namen, sondern werden durch die staatlich zugewiesenen Zahlen angesprochen.

Fotos: Flickr.com/zeltfaenger.at (CC BY 2.0), Flickr.com/Fish Gravy (CC BY 2.0)

von Anne-Mareike Täschner

Der Lehrstuhl von Prof. Dr. Tanja Thomas am Institut für Medienwissenschaft der Uni Tübingen veranstaltet am 25. und 26. Juni 2015 eine Nachwuchstagung mit dem vielversprechenden Titel „Kosmopolitisierung, Anerkennung, Solidarisierung? Potentiale transkultureller Öffentlichkeiten in Medienkulturen“.

Zu den öffentlichen Vorlesungen im Rahmen der Tagung am Donnerstag sind auch Nichtnachwuchsforscher*innen, Studierende und alle weiteren Interessierten herzlich eingeladen. Und die Referentinnen können sich wahrlich sehen lassen: Für die öffentliche Mittagsvorlesung konnte Prof. Dr. Magdalena Nowicka von der Humboldt Universität zu Berlin gewonnen werden, bei der Abendvorlesung spricht Prof. Dr. Radha Hegde von der New York University (!).

Prof. Dr. Magdalana Nowicka spricht um 12 Uhr zum Thema On the analytical and normative dimensions of conviviality and cosmopolitanism, Prof. Dr. Radha Hegde spricht um 18:30h zum Thema Theory as disturbance and feminist activism. Beide Vorlesungen finden im Hörsaal der Keplerstrasse 2 statt.

Hier könnt ihr euch den Tagungsflyer runterladen: Nachwuchstagung

von Marius Lang

Der Park ist eröffnet. Nach 22 Jahren ist der Traum von John Hammond (damals gespielt von dem verstorbenen Richard Attenborough) endlich in Erfüllung gegangen. Und nun strömen täglich tausende von Besuchern auf die Isla Nublar vor der Küste Costa Ricas um diesen Traum zu sehen. Ein Park voller Wesen, die vor rund 64 Millionen Jahren die Erde beherrschten. Willkommen in Jurassic World.

Jurassic World ist der vierte Teil in einer Reihe, die sich in erster Linie dadurch auszeichnet, dass ihr erster Teil (Jurassic Park (1993)) hinlänglich als ein Meilenstein der Filmgeschichte bekannt ist, wohingegen seine ersten beiden Fortsetzungen (The Lost World: Jurassic Park (1997)) und Jurassic Park III (2001)) allgemein als, sagen wir, enttäuschend in Erinnerung blieben. Als Fan des ersten Teils war ich dementsprechend gespannt, wo genau dieser vierte Teil rangieren würde. Die grundsätzliche Idee dahinter wirkte vielversprechend: Jurassic World ist die Erfüllung der Vision des ersten Teils: Ein funktionierender Freizeitpark voller Dinosaurier, wieder zum Leben erweckt durch das Wunder unmöglicher Wissenschaften.

Es ist dann auch der erste Blick in den Park selbst, der eben die Faszination auslöst, die damals der erste Film ausgelöst hatte. Da gibt es einen Streichelzoo voller Jungtiere für die Kinder, Ritte auf dem Rücken eines Triceratops, Fütterungen von gewaltigen Mosasauriern und Safaris in seltsamen Kugelsphären durch die Steppen voller riesiger Pflanzenfresser. Alles, natürlich, absolut sicher und ungefährlich, alles läuft nach Plan: Man hat eben, um bei John Hammonds Worten aus dem ersten Teil zu bleiben, keine Kosten gescheut.

Neue Helden

Der Film ist eine astreine Fortsetzung der bisherigen Reihe, nicht etwa ein Reboot. Bedauerlicherweise gibt es jedoch keinen Gastauftritt oder auch nur ein Cameo von Laura Dern, Sam Neill oder Jeff Goldblum, den Helden des ersten Teils. Überhaupt ist lediglich B.D. Wong in der Rolle des Dr. Henry Wu ein aus Jurassic Park bekanntes Gesicht, zumindest unter den menschlichen Stars (eine weitere „Heldin“ des ersten Teils absolviert noch ihr großes Comeback). Die Abwesenheit bekannter Gesichter ist bedauerlich, aber grundsätzlich zu verschmerzen. Der Start in die neue Ära des Franchise wird dagegen von neuen Helden getragen. Wieder einmal haben wir die Dynamik von zwei Kindern, Gray (Ty Simpkins) und sein älterer Bruder Zach (Nick Robinson) die von ihren Eltern, die sich gerade inmitten einer Scheidung befinden, zu ihrer Tante Claire (Bryce Dallas Howard) nach Jurassic World verabschiedet werden. Claire arbeitet im Park in einer Art Management-Posten und nimmt die eine Hälfte des Hauptrollenduos ein. Ihren krassen Gegenpol findet sie in Owen Grady, ein Ex-Militär, der jetzt in Jurassic World als Wärter und Trainer der Velociraptoren arbeitet.

Mehr Zähne

Nachdem nun also der Park seine Tore geöffnet hat, finanziert durch den neuen Besitzer Simon Masrani (Irrfan Khan) und absolute Kontrolle über die bestehenden Tiere gewährleistet scheint, muss, in klassischer Manier, der Mensch erneut Gott spielen und so erschaffen die Wissenschaftler des Parks unter Dr. Wu den Indominus Rex, den ersten Hybrid-Dinosaurier. Größer als der T-Rex, hochintelligent, ausgestattet mit allerlei ominösen Extras, wie der Fähigkeit sich zu tarnen und der Fähigkeit, Wärmestrahlung wahrzunehmen, und, offenbar, völlig psychotisch. Klar, dass der Schuss, statt neue Gäste anzulocken, gehörig nach hinten losgeht. Der I-Rex überlistet, oh Wunder, die Wärter, entkommt und tötet sich fortan eine Schneise zum Park selbst, wo in Form von 20.000 Besuchern eine riesige Schlachtplatte auf ihn wartet. Claire und Owen müssen sich zusammenraufen und dabei zu immer unorthodoxeren Methoden greifen, um das hochintelligente und fast schon absurd grausame Tier zur Strecke zu bringen. Klar, dass dabei so mancher auf der Strecke bleibt. Und irgendwo im Park sind ja auch noch Claires Neffen, die ebenfalls gerettet werden müssen. Es ist also viel zu tun.

Schwächen im Drehbuch

Der Film schafft es, die geradlinige und bisweilen vorhersehbare Story doch recht fesselnd rüberzubringen. Dabei liegt der Fokus des menschlichen Dramas klar auf Owen und Claire, sowie den beiden Jungs. Einige interessante Nebenfiguren bleiben dabei allerdings leider auf der Strecke: Hervorzuheben sind hierbei Omar Sy als Owens Freund und Kollege Barry vom Raptorengehege, der immer wieder spontan von der Bildfläche verschwindet, obwohl er in den Momenten, in denen er vorkommt, definitiv eine der sympathischsten Figuren ist. Selbiges gilt für Lowery, den IT-Fachmann vom Dienst, brillant verkörpert von Jake Johnson und Irrfan Khans Simon Masrani, von dem man, als John Hammonds Nachfolger, doch mehr Tiefgang und Screentime erhofft hatte. Ebenfalls blendend dargestellt aber wenig genutzt, ist der schmierige Sicherheitschef Vic Hoskins, verkörpert vom immer wieder großartigen Vincent D’Onofrio als völlig überzogener Bösewicht, der es sich in den Kopf gesetzt hat, Owens Raptoren für militärische Zwecke zu nutzen. Klingt nach einem fantastischen Plan, bei dem überhaupt nichts schief gehen kann.

Ich schreibe hier von den Nebenfiguren, vor allem weil die Story der beiden Hauptfiguren nicht sonderlich interessant ist. Die Romanze zwischen Owen und Claire wirkt gezwungen und Owens Arbeit mit den Raptoren ist um Längen interessanter als sein Kontakt zu anderen Menschen. Dies ist vor allem ein Fehler des Scripts, nicht der Darsteller. Chris Pratt ist erwartungsgemäß erneut ein fantastischer Hauptdarsteller, der vor Charisma nur so überquillt, Bryce Dallas Howard macht ebenfalls eine gute Figur, mit dem was das Drehbuch hergibt. Leider ist eine weitere Schwäche des Buches das etwas mangelhafte Frauenbild des Filmes. Claire ist natürlich eine humorlose, steife Karrierefrau, die sich an ihren sexy Raptoreflüsterer hält. Wären die Charaktere besser geschrieben, es gäbe keinen Grund sich zu beklagen. Demgegenüber ist die Chemie der beiden Jungen, Zach und Grey gut gelungen, allerdings auch Grundlage eines Scheidungs-Nebenstrangs der Handlung, der ebenso plötzlich aufgegriffen wie wieder fallen gelassen wird. Danach redet niemand mehr davon, vermutlich aus gutem Grund. Schließlich sind wir alle nicht hier um menschliches Drama zu sehen.

Ein Werk eines Fans

Nein, wir sind hier, um geballte Dino-Action zu sehen. Und davon gibt es beileibe nicht zu wenig. Der I-Rex ist ein überraschend wirksamer Antagonist, er wirkt so viel besser als der Spinosaurus aus Jurassic Park III. Der I-Rex ist eine designte Schöpfung, der perfekte Killer, der seinen Platz in der Welt austestet. Und dabei alles tötet, was ihm in den Weg kommt. Auch die Raptoren bekommen durch ihr Spiel mit Owen Neues zu tun. Entgegen der Erwartungen sind sie aber nicht handzahme Haustiere, sondern immer noch wilde Tiere, brutal und brandgefährlich.

Was auffällt ist, dass Jurassic World klar ein Werk eines Fans des ersten Teils ist. Regisseur Colin Trevorrow verweist in seinem Film somit auch mehrfach auf das Original, ob es nun das Jurassic-Park-Shirt von Lowery, welches Claire für geschmacklos hält, ist oder der Besuch der Kinder in den Ruinen des alten Parks. Alles sieht aus wie damals, nur verfallen und zugewuchert. Auch das Design des Parks zeugt von der Liebe zum Original, der Vision eines Mannes, der sich als Kind in die Idee eines solchen Parks verliebt hat. Und dann ist da natürlich der Höhepunkt des Films: Es ist unmöglich, davon ausführlich zu reden, ohne den Film zu spoilern, doch so viel kann gesagt sein: Es fantastisch. Eine alte Bekannte macht ihr großes Comeback und am Ende kann man sagen, dass es sich nur dafür gelohnt hat, als Fan des Originals den Film zu sehen. Es ist schon fast so gut, dass dadurch alle Schwächen des Drehbuchs ausgehebelt werden könnten. Der finale Moment des Films ist dementsprechend der perfekte „All hail to the Queen“-Moment. Auch der Soundtrack des Films zeugt von Liebe zum Original. Komponist Michael Giacchino webt dabei in seine eigenen phänomenalen Stücke die Filmmusik von John Williams aus dem ersten Teil ein.

Abschließend kann gesagt werden, dass Jurassic World durchaus einen Besuch wert ist. Auch wenn er nicht ganz mit dem Original mithalten kann, ist es doch die mit Abstand beste Fortsetzung der Reihe, die in mir wieder diese kindliche Faszination eröffnete. Gepaart mit viel Liebe zum Original, sympathischen, wenn auch flachen Hauptfiguren und einem fantastischen Soundtrack, werden die gröbsten filmischen Schwächen erträglich gemacht. Doch gänzlich gerettet wird der Film durch das Finale. Viel Spaß damit!

Fotos: © Universal Pictures

von Sanja Döttling

Paul Ripke hat mit 19 seine eigene GmbH gegründet, „um anzugeben“, sich mit 20 in den Staaten kurzerhand eine Fotografen-Akkreditierung besorgt, um auf Hip-Hop-Konzerte gehen zu können, und mit 27 Jahren seinen Presseausweis abgeben müssen. Er kommt aber ohne den sehr gut klar.

Ripke ist Fotograf und Filmer mit einem Portfolio, das genauso vielseitig ist wie die Person hinter der Kamera. Ripke fotografiert für den Aldi-Katalog, in dem er auch schon einmal selbst in der Plus-Size-Abteilung gemodelt hat. „Das war eigentlich als Gag gedacht, aber ich habe tatsächlich gut in das Hemd gepasst“, sagt er. Während er Aufträge dieser Art als sein Brotgeschäft bezeichnet, widmet er sich außerdem den Dingen, die ihm wirklich am Herzen liegen.

Mit Marteria um die Welt

Das ist zum einen die Musik. Paul Ripke liebt den Hip-Hop, und hat zu ihm eine ganz persönliche Verbindung durch den Rapper Marteria, seinen besten Freund. Er war es auch, mit dem Ripke erst durch Spanien reiste, dann für das Album „Zum Glück die Zukunft II“ um die ganze Welt. „Ein Lebenstraum“, sagt Ripke. Fast vier Wochen sind die beiden unterwegs gewesen, in Chile, Mexiko, Thailand und dem Himalaja. „Das war natürlich alles sehr durchgetaktet“, gibt Ripke zu, doch seine eigene Professionalität erwähnt der Fotograf, der von jedem einzelnen Foto genau weiß, wo er es gemacht hat, wie immer, nur am Rande. Er schwenkt auch gleich wieder um: „Das war megageil, keine Ahnung, warum wir das machen durften!“

Tatsächlich wirkt die Reise in seiner Erzählung wie ein Ausflug unter Kumpels, nicht etwa ein teures Shooting für ein Album. Herausgekommen sind trotzdem tolle Bilder, und ein Video zu dem Song „Welt der Wunder“. Das Hemd das Marteria trägt, ist übrigens „selbst gebügelt“, wie Ripke bestätigt. Die beiden hatten nämlich auf der ganzen Reise nur eines davon. Sparsam waren sie auch an anderen Ecken, denn die beiden sind nur zu zweit gereist. „Wir gehen in eine Bar, schwätzen dort Leute an“, sagt Ripke, wenn sie Hilfe brauchen für die Shootings.

„Es war das wichtigste Projekt meines Lebens“, sagt Ripke, und schwärmt von der Zusammenarbeit mit Marteria, dessen Namen er auf seinem Rücken tätowiert hat. „Ich erzähle immer, dass das ein cooles Elektrofestival in Spanien ist“, sagt er, wenn ihn Leute auf das Tattoo ansprechen. „und er, er hat da Paul Ripke stehen.“

Vom Erfolg

Irgendwie, so scheint es, hat Ripke immer die besten Karten auf der Hand. Moderator Max muss Shots kippen, weil Ripke ihn immer wieder zum Ching-Chang-Chong-Duell auffordert, welches Max ständig verliert.

„Du machst ständig Stein zuerst“, sagt Max irgendwann, „und dann nochmal Stein!“ Eine Taktik, die genauso verblüffend einfach wie effektiv ist. „Genau“, antwortet Paul Ripke offen, „und genauso mache ich es jetzt auch!“ Ripkes Waffe: extreme Offenheit und Ehrlichkeit. Manchmal schlägt die sicher über das Ziel hinaus, so wie jetzt, denn Ripkes Doppelbluff ist sofort durchschaut und Max gewinnt auch endlich. Ripke trinkt seine Verlierer-Shots mit Würde. Mit seiner umgedrehten Baseball-Cap und seiner lockeren Art wirkt er kaum wie ein selbständiger Fotograf, mehr wie ein amerikanischer Tunichtgut. Doch natürlich steckt mehr dahinter. Sein Rezept zum Erfolg? Klingt einfach: „Leuten einen Gefallen tun, nett sein, und dann auch performen“, sagt er locker.

Was er nicht sagt: dranbleiben, und eigene Ideen haben. Mit Beckmann machte er einen Deal, dessen Gäste vor der Sendung ablichten zu dürfen. Zwei Minuten, mehr nicht, hatte er für dieses Portrait. Für drei Jahre hat der jeden Montag Gäste fotografiert, „einfach so, ohne finanziellen Hintergrund“. Für ihn eine prima Art, Shoots zu „üben“, wie er sagt. Herausgekommen ist ein Portrait-Bildband.

Nah dran

Sein Markenzeichen sind Bilder, die ganz nah dran sind. Er war mit den Toten Hosen auf Tour, und auch hinter den Kulissen immer mit dabei. Ein Bild hält fest, wie Campino von seinem Physiotherapeuten eingerenkt wird, für andere Bilder ist Ripke mitten auf der Bühne gestanden, zwei Meter von der singenden Band entfernt. „Bilder mit Teleobjektiv und viel Distanz sehen oft ähnlich aus. Nahe Aufnahmen sind viel ungesehener“, erklärt Ripke, „man muss genau an die Grenze gehen.“ Seine Bilder geben ihm Recht.

„Normalerweise lassen die Musiker einen nicht so nah ran“, sagt Ripke, „aber sie wollten sie einer jüngeren Generation öffnen.“ Oder sie erlagen dem Charme des Fotografen. Oder aber seiner starken Arbeitsmoral. „Ich habe einfach alles festgehalten, aber nichts rausgebracht, was die nicht wollten“, sagt Ripke, „die Rechte der Bilder liegen nicht bei mir, sondern bei denen.“

Eine andere Leidenschaft des Fotografen: der Fußball. Selten ist das Emotionskino auf den Gesichtern seiner Fotomotive so groß wie im Stadion. „Ziemlich viele der Bilder sind unscharf“, sagt Ripke, „dann bleiben nicht mehr so viel, weil ichs nicht gut kann.“ Rike schießt Fotos quasi aus der Hüfte, die Kamera um den Hals hängend, damit andere nicht merken, wenn er abdrückt. Ein Bild zeigt Fußballfans in wildem Emotionstaumel. „Ich schrei auch einfach, dass die nicht merken, das ich fotografiere“, erklärt er seine Versteckte-Kamera-Technik.

Year of a lifetime

„Besser als 2014 wird es nicht mehr werden“, sagt Paul Ripke dann mit großer Entschlossenheit. Es war das Jahr, indem er erst die Nationalelf ins Trainingslager nach Rio begleiten durfte, dann heimgeschickt wurde, und zum Finale mit der Mannschaft auf dem Spielfeld feierte. „Ich spürte schon, dass in diesem Jahr etwas Gutes entstehen kann“, sagt der Fußballfan, und sollte Recht behalten. Die Bilder sind, wie alle anderen, in einem Fotobuch in seinem Online-Shop erhältlich, doch weiterverkauft hat er keines davon. „Alle haben angerufen uns wollten die Bilder vom Finale. Ich habe nicht einmal geantwortet“, sagt Ripke, „es ist mir egal, wie die rechtliche Lage ist, die Bilder gehören den Fußballern. Es war ja deren Leistung, dass sie mich aufs Spielfeld gelassen haben und nicht meine.“

Eine Leistung, das sind sie schon, seine Bilder. Aber Ripke lässt sich nicht aus der Ruhe bringen „Wenn du da stehen würdest“, sagt er zu Max, „dann wären auch jedes Foto gut.“ Doch es war Paul Ripke, der da stand, und vielleicht ist das das Geheimnis: er macht einfach das, wovon andere nur träumen.

 Fotos: Lisa Paul Media