von Andrea Kroner

Man hört selten etwas über afrikanische Filme, obwohl es dort in den verschiedenen Ländern eine vielfältige Kinotradition mit ganz besonderen Produktionen gibt. Meist setzen sich die Regisseure dabei mit typisch afrikanischen Sitten und Gebräuchen auseinander. So auch Ousmane Sembènes in seinem Film „Moolaadé“. Er möchte die Bevölkerung über die Beschneidung junger Mädchen aufklären.

Ein Verstoß gegen die Tradition

Die Geschichte spielt in einem kleinen afrikanischen Dorf, das sich streng an die Tradition der Beschneidung hält. Doch sechs kleine Mädchen flüchten davor, weil sie Angst vor der Verstümmelung haben. Vier davon retten sich zu Collé Ardo (Fatoumata Coulibaly). Diese hat sich geweigert, ihre zweite Tochter Amsatou beschneiden zu lassen, weil ihre erste Tochter bei diesem Ritual gestorben ist. Und auch den vier Mädchen hilft sie, indem sie das „Moolaadé“ ausspricht. Dafür spannt sie ein Seil am Eingang ihres Hofes auf. Dieses markiert eine symbolische Grenze, die ohne ihre Erlaubnis nicht übertreten werden darf. Wer sich nicht daran hält, verfällt einem tödlichen Bann – glauben zumindest die Dorfbewohner. Deshalb sind die Mädchen vor den Beschneiderinnen sicher, solange sie den Hof nicht verlassen.

Zeitgleich kommt der Sohn des Oberhaupts ins Dorf. Er hat in Paris studiert und ist eigentlich zurückgekehrt, um Amsatou zu heiraten. Da sie jedoch nicht beschnitten ist, kommt das für seinen Vater nicht infrage. Stattdessen soll er nun seine 11-jährige Cousine zur Frau nehmen. Doch so einfach wird es nicht, denn nun beginnen auch die anderen Frauen des Dorfes langsam, sich gegen das patriarchalische System zu wehren. Am Ende löst sich alles auf – teilweise zum Positiven, teilweise äußerst tragisch.

Ein heikler Punkt

Sembène ist der erste afrikanische Mann, der sich öffentlich mit dem Thema der Beschneidung auseinandersetzt und sich auch vehement dagegen ausspricht. Dabei weitet er das Geschehen des Films auf eine größere Dimension aus: Mit dem Asyl der Mädchen bei Collé Ardo möchte er die Menschen dazu aufrufen, Frauen, die Hilfe suchen, Asyl zu gewähren. Auch bietet das Moolaadé für Collé Ardo die Möglichkeit, aus dem starr festgelegten, von Männern beherrschten System auszubrechen und die Machtverhältnisse umzukehren.

Er äußert seine Kritik jedoch nie zu hart, sondern setzt sie genau an den passenden Stellen und im richtigen Maß ein. Es werden beispielsweise keine verstümmelten Genitalien der Frauen gezeigt, doch trotzdem wird die Grausamkeit dieses Rituals äußerst deutlich, da man die Reaktionen der Mädchen miterlebt. Auch beleuchtet er alle Folgen dieser Verstümmelung. Diese sind sowohl körperlicher als auch seelischer Natur. Eine wichtige Rolle spielen aber auch soziale Konsequenzen für Unbeschnittene, die ausgestoßen werden oder keinen Ehemann finden. Denn kein traditioneller Mann möchte eine Unbeschnittene, eine Unreine heiraten.

Doch Sembène geht noch weiter: Er prangert an, dass gerade Frauen der Zugang zu Informationsquellen oft verboten wird. So werden den Frauen in Moolaadé die Radios weggenommen und verbrannt, wodurch ihnen Informationen und moderne Einstellungen verwehrt werden sollen.

Ein ganz eigener Charme

Sembène schafft es geschickt, in seinem Film drei wichtige Grundelemente zu verbinden: Ästhetik, Unterhaltung und Kritik. Diese drei Komponenten werden immer wechselseitig eingesetzt. So  spricht er ein breiteres Publikum an und kann seine Botschaft auf subtile Art und Weise verbreiten.

Interessant ist, dass der Film nicht in andere Sprachen übersetzt, sondern nur mit entsprechenden Untertiteln versehen wurde. Dadurch gewinnt er gerade für Außenstehende noch mehr an Authentizität. Diese wird durch die typisch afrikanische Musik noch mehr gesteigert, die sich an den richtigen Stellen gut einfügt. Ob moderne Musik aus dem Radio oder traditionelle Klänge bei Ritualen, sie wird immer passend eingesetzt.

Ein guter Einblick

Gerade, wenn man sich nicht so gut mit der Thematik auskennt, bietet dieser Film einen guten Einblick in das Ritual der Beschneidung, wie es in vielen afrikanischen Ländern immer noch praktiziert wird. Er liefert ein ungeschöntes, reales Bild und schafft es, dabei auch noch andere Kritikpunkte einzubinden. Wer mehr darüber erfahren möchte, sollte „Moolaadé“ auf keinen Fall verpassen.

Foto: flickr.com/UNAMID (CC BY-NC-ND 2.0)

Weitere Artikel aus dieser Reihe:

Teil Eins: Vergessene Filme – verborgene Schätze

Teil Zwei: Der Meister der Stille

Teil Drei: „Faust“ – die Geschichte lebt wieder auf

Teil Vier: „Erleuchtung garantiert“ – wirklich?

Teil Fünf: „5×2“ – Wieso ging es schief?

Teil Sechs: „Moolaadé“ – Bann der Hoffnung

von Andrea Kroner

Bisher hat sich Robert Beck immer für die langweilige, sichere Variante entschieden. Doch sein Leben bekommt eine Eigendynamik, als er den jungen Rauli das erste Mal Gitarre spielen und singen hört. Denn der Junge hat ein unglaubliches Talent. Gemeinsam schlittern sie von einem Abenteuer ins nächste und eine turbulente Geschichte kommt ins Rollen.

Auf der Jagd nach großen Träumen

Robert Beck (Christian Ulmen) ist frustriert und angewidert von seinem Leben: Sein Job als Musiklehrer an einem Berliner Gymnasium langweilt und er hat weder eine Freundin, noch Perspektiven für die Zukunft. Doch all das ändert sich schlagartig, als er seinen Schüler Rauli (Nahuel Pérez Biscayart) nach dem Unterricht zu sich ruft. Eigentlich möchte er über dessen schwierige familiäre Verhältnisse reden. Doch Rauli brennt nur darauf, mit Becks Gitarre spielen zu dürfen. Entgegen Becks Erwartungen singt und spielt er „Seven Nation Army“ wie ein junger Gott. Bisher hatte Beck den unscheinbaren, litauischen Jungen kaum wahrgenommen. Doch jetzt sieht er seine Chance, Rauli groß raus zu bringen. Denn er selbst hat in jungen Jahren seine eigene Karriere als Musiker aufgegeben. Obwohl er Frontmann der erfolgreichen Band „Cash Punk“ war, hat er sich dennoch für die sichere Variante als Lehrer entschieden und möchte jetzt seinen großen Traum in Rauli verwirklichen.

Beck ist so begeistert von Raulis Talent, dass er mit dem Jungen bald eine erste Demo-CD aufnimmt und ein kleines Konzert organisiert. Alles in der Hoffnung, ein Plattenlabel zu finden. Und ihre Bemühungen sind auch von Erfolg gekrönt. Ein großes Label möchte den Jungen unter Vertrag nehmen, allerdings ohne Beck als Komponist dahinter. Damit bricht für ihn eine Welt zusammen. Er versucht verzweifelt, den Deal vor Rauli zu verheimlichen und ein anderes, kleineres Label zu finden. Da kommt sein Freund Charlie (Eugene Boateng) ihm überhaupt nicht gelegen. Dieser droht ständig damit, sich umzubringen. Deshalb hat Beck ihn ins Krankenhaus eingeliefert. Charlie ist jedoch ausgebüxt und möchte nun, dass Beck ihn sofort zu seiner schwer kranken Mutter nach Istanbul fährt. Eigentlich hat Beck gerade andere Sorgen, doch er lässt sich breit schlagen und auch Rauli schließt sich spontan dem Abenteuer an. Und so begeben sich die drei auf eine atemberaubende Reise. Dabei muss jeder große und kleine Geheimnisse aufdecken, bei denen es am Ende sogar um Leben und Tod geht.

Hautnah dabei

Die gesamte Produktion verlief in enger Zusammenarbeit mit dem Autor der Buchvorlage, Benedict Wells. Denn für die Produzenten war es essentiell, „dass der Film dem Geist des Romans entsprechen muss“. Andererseits war es für den Autor selbst auch wichtig, dass die Verfilmung für sich selbst stehen kann. Die Medien Film und Buch wären so verschieden, dass Veränderungen der Vorlage notwendig seien. Trotzdem müsse die Seele des Buches auch im Film zu finden sein, und das ist sie für ihn in diesem Fall definitiv.

Auch von den Schauspielern ist Wells begeistert. Er verrät, dass er sich Christian Ulmen schon beim Schreiben des Romans als Beck vorgestellt hat. Deshalb hat er ihn sogar ein bisschen in die Rolle „hineingeschrieben“. Noch bevor die Verfilmung überhaupt feststand, fragte er eigenständig bei Ulmen an, ob dieser sich die Rolle vorstellen könnte – und bekam prompt eine Zusage.

Es sollte etwas besonderes sein

Das war den Produzenten von Anfang an sehr wichtig. Sie wollten keinen Mainstream-Film drehen, sondern sich eher an amerikanischen Independent-Produktionen orientieren. Es gibt keine feste Genrezuordnung, denn der Film ist zu ernsthaft für eine Komödie, aber gleichzeitig auch zu lustig für ein Drama.

Leider ist die Idee dahinter nichts Neues: Filme über Selbstfindung und Verwirklichung großer Träume gibt es heutzutage viele und in diesem Fall ist die Handlung an vielen Stellen leider zu vorhersehbar geworden, anders als im Buch. Dennoch ist der Film insgesamt gelungen, da er den Zuschauer mitnimmt und seine Botschaft gut übermitteln kann: Es ist nie zu spät, seine Träume zu leben. Selbst, wenn man sie eigentlich schon aufgegeben hat.

von Andrea Kroner

Entgegen des normalen Verlaufs einer Liebesgeschichte, sieht man die Hauptfiguren in der Anfangsszene von „5×2“ nicht bei ihrer ersten Begegnung, sondern vor dem Scheidungsrichter. Denn ihre Liebe hat nicht gehalten. Wieso sie schon von Anfang an zum Scheitern verurteilt war, zeigen diese und vier weitere Szenen.

Die Trümmer ihrer Ehe

Marion (Valeria Bruni Tedeschi) und Gilles (Stéphane Freiss) hören niedergeschlagen das Urteil ihrer Scheidung – und schlafen direkt danach miteinander. Das ist jedoch nicht von Liebe und Leidenschaft, sondern von zunehmender Enttäuschung und Gewalt geprägt. Danach trennen sich ihre Wege. Die nächste Szene zeigt die beiden als sie noch eine glückliche Familie mit ihrem Sohn Nicolas waren. Sie bereiten sich gerade auf den Besuch von Gilles‘ schwulem Bruder vor. Doch trotz des scheinbar harmonischen Treffens werden die Differenzen zwischen Marion und Gilles deutlich. Diese Spannung bricht auch nicht ab, als die beiden wieder allein sind. Nicht erst hier, sondern auch schon bei Nicolas‘ Frühgeburt zeigt sich dieses gegenseitige Unverständnis, da Gilles bei der Geburt nicht dabei ist. Er kommt erst später ins Krankenhaus, betrachtet seinen Sohn im Brutkasten und verschwindet dann wieder. Die genauen Motive dafür bleiben unklar – einzig die gegenseitige Enttäuschung und Verzweiflung des Paares wird erneut deutlich. Daraufhin springt die Handlung zu ihrer Hochzeit. Während der Feier wirken beide glücklich und verliebt – bis zur Hochzeitsnacht. Gilles ist so müde, dass er im Hotelzimmer sofort einschläft. Daraufhin geht Marion nach draußen und betrügt ihn mit einem Fremden, den sie dort kennenlernt. In der Schlussszene lernen sich Marion und Gilles im Urlaub kennen. Sie ist allein unterwegs, er mit seiner damaligen Freundin. Da Gilles in seiner Beziehung nicht mehr glücklich ist, fühlt er sich immer mehr zu Marion hingezogen.

Es kann nicht gut gehen

Das weiß der Zuschauer schon von Anfang an. Weshalb es so weit gekommen ist, wird von Szene zu Szene immer deutlicher. Auch bei scheinbar glücklichen Augenblicken sucht man immer nach einem Anzeichen für das Scheitern – und wird dabei stets fündig. Denn die gesamte Beziehung scheint von Anfang an nur auf Lügen, Betrug, falschen Hoffnungen, Verrat und unüberbrückbaren Gegensätzen aufgebaut zu sein. Jede Szene wird auf ihre eigene Art und Weise davon geprägt: Beispielhaft ist Gilles‘ Erzählung, dass er Marion auf einer Feier betrogen hat. Die beiden wussten nicht, dass es sich um eine organisierte Sexparty handelte. Marion wollte nicht mitmachen, gab Gilles jedoch ihr Einverständnis. Obwohl Marion das gebilligt hat, merkt man deutlich ihre Unzufriedenheit, während ihr Mann davon erzählt. Als später ihr eigener Seitensprung in der Hochzeitsnacht gezeigt wird, kann man besser verstehen, weshalb sie ihrem Mann diese Erlaubnis gegeben hat. Ähnlich wie hier erfährt der Zuschauer noch in vielen anderen Punkten Stück für Stück, wie beide zu ihrer Scheidung gelangt sind und was dahintersteckt.

Die rückwärts erzählte Handlung bietet dabei eine vollkommen neue Perspektive auf das Erzählte. Dazu trägt auch die ruhige, nüchterne Darstellungsweise bei, bei der die Figuren nur von außen betrachtet werden, wie von einem unbeteiligten Beobachter. Dadurch werden sie in keinster Weise psychologisiert und der Zuschauer muss sich die Hintergründe für ihre Handlungen selbst erarbeiten. Darüber hinaus schafft es Ozon auf beeindruckende Weise durch seine rückwärts erzählte Geschichte Unmittelbarkeit und Mitfiebern zu erzeugen. Obwohl man weiß, dass die Beziehung nicht funktionieren kann, keimt dennoch immer wieder Hoffnung auf, es könne doch noch klappen.

Gegensätze ziehen sich an

Viele Beziehungen bauen auf diesem Prinzip auf und auch Marion und Gilles scheinen vollkommen gegensätzlich: Sie ist eine verletzliche, zarte Frau – er ein herber, starker Mann mit zerfurchten Gesichtszügen. Und beide wandeln sich im Laufe des Films: Gilles ist im Laufe der Jahre zu einem harten, verbitterten Mann geworden. Als er nach der Scheidung mit seiner Ex-Frau schläft, wird er dabei so gewalttätig, dass es fast schon einer Vergewaltigung gleicht. Er entzieht sich allen Problemen und Konfrontationen, wird dabei jedoch teilweise zu extrem als gefühlloses Monster dargestellt. An vielen Stellen kann man gar nicht nachvollziehen, wie sich Marion in ihn verlieben konnte, doch am Strand bei ihrer ersten Begegnung zeigt sich, dass er damals ein liebenswerter junger Mann war.

Marion ist innerlich an der Beziehung zu Gilles zerbrochen: Sie wirkt müde und enttäuscht und wird durchgehend als Opfer von Gilles‘ Handlungen stilisiert. Doch mit jeder folgenden Szene gewinnt sie auch an Schönheit und Lebensfreude. Ihre Unbeschwertheit in jungen Jahren führte dazu, dass sie fremdgegangen ist und somit auch zum Scheitern der Beziehung beigetragen hat.

Ein neuer Blickwinkel

Durch die entgegengesetzte Handlungsrichtung setzt Ozon an einem ganz anderen Ausgangspunkt an und bringt den Zuschauer mehr ins Nachdenken über die Geschehnisse, obwohl das Ende schon vorweggenommen ist. Dafür hat er in Venedig auch einen goldenen Löwen bekommen.

Foto: flickr.com/S.I.B Fotos (CC BY-NC-ND 2.0)

Von Andrea Kroner

Sie waren schon die heimlichen Stars bei „Ich – einfach unverbesserlich 1 & 2“. Deshalb zeigen die kleinen gelben Helferlein nun in ihrem eigenen Kinoabenteuer, wie sie zu ihrem Job bei Gru gekommen sind.

Oft werden die Nebencharaktere zum Liebling der Zuschauer, sei es „Scrat“ in „Ice Age“ oder die Pinguine aus „Madagascar“, welche auch schon einen eigenen Kinoauftritt hatten. Das ist jedoch nicht immer von Erfolg gekrönt. Ob es die Minions schaffen?

Die Geschichte einer Evolution

Minions leben schon seit mehreren Millionen Jahren auf der Erde. Und seit jeher sind sie auf der Suche nach einem Meister. Einem T-Rex, Anubis, Dracula und Napoleon haben sie schon gedient. Doch durch unglückliche Umstände haben sie auch allen zum Tod verholfen. Aus diesem Grund sind sie in eine Eishöhle ans Ende der Welt geflohen und werden dort immer lustloser, denn ohne Meister hat ihr Leben keinen Sinn mehr. Deshalb  macht sich das ungleiche Trio Kevin, Stuart und Bob auf den Weg, um endlich den „Bigboss“ zu finden.

Zunächst landen sie im New York der 60er Jahre und werden dort auf die VillainCon, eine Messe für Superschurken, aufmerksam – die ideale Gelegenheit, einen Meister zu finden. Mit einer chaotischen Bankräuberfamilie trampen sie deshalb nach Orlando und schaffen es dort schließlich, die Gehilfen der größten Verbrecherin ihrer Zeit, Scarlet Overkill, zu werden. Diese setzt die drei darauf an, die Krone der Queen zu stehlen, was in einem kompletten Chaos voller lustiger Zwischenfälle endet.

Ein Kauderwelsch aus Bananas und Bosse

Die beiden Lieblingswörter der Minions sind „Bananas“ und „Boss“, die aus ihrem Kauderwelsch am besten herauszuhören sind. Davon abgesehen ist ihre Sprache eine Mischung aus einer Vielzahl von verschiedensten Sprachen und undefinierbaren Lauten. Dadurch ist es oft nicht leicht, ihren Gesprächen zu folgen, denn man versteht bei weitem nicht alles. Doch das scheint auch beabsichtigt zu sein: Meist sind bei längeren Reden Schlüsselwörter eingestreut, die grobe Zusammenhänge verständlich machen. Manchmal bleibt es aber auch beim unverständlichen Kauderwelsch. Das tut dem Spaß und Verständnis des Films jedoch keinen Abbruch – man versteht die kleinen gelben pillenförmigen Wesen und ihre Gags auch ohne viele Worte und muss oft schon lachen, wenn sie nur den Mund aufmachen. Interessant ist dabei, dass alle Minions vom Produzenten Pierre Coffin gesprochen werden.

Ein Spaß für jeden

Dieser Animationsfilm ist so von Witzen und lustigen Episoden durchsetzt, dass man gar nicht mehr mit dem Lachen aufhören kann. Doch er ist keinesfalls nur für Kinder gedacht. Auch Erwachsene kommen auf ihre Kosten, denn es werden nicht nur andere Filme, sondern auch berühmte Persönlichkeiten aufs Korn genommen – beispielsweise die berühmte Überquerung eines Zebrastreifens von den Beatles. Auch die Musik dazu kommt aus den Sechzigern. Statt Pharrell Williams mit „Happy“ hört man „The Who“ oder die „Kinks“. Das ist vielleicht nicht so einprägsam, jedoch passender für die Zeit und weckt Erinnerungen bei so manchem Erwachsenen.

Wie auch schon bei den beiden „Ich – einfach unverbesserlich“-Filmen sind viele Gags jedoch nicht offensichtlich, sondern nur bei genauerem Hinsehen zu erkennen. Besonders bei den zahlreichen  Anspielungen wird es schwierig, alles zu entschlüsseln. Doch gerade das macht den Reiz des Films aus und regt dazu an, ihn nochmals anzusehen.

Der gelbe Kult

Schon vor dem Kinostart haben die quirligen kleinen Männchen die Herzen vieler Fans erobert und sind mittlerweile in allen möglichen Formen und Größen, zum Essen oder Knuddeln erhältlich. Sie haben schon einen gewissen Kultstatus erreicht.
Und auch in ihrem Film konnten sie überzeugen. Natürlich darf man keine tiefgründige Handlung erwarten, aber wer „Ich – einfach unverbesserlich“ kennt, weiß, worauf er sich einlässt. Jedoch ist es durchaus kein seichter Film, da viele hintergründige Informationen eingestreut werden. So eignet sich der Film für jeden, der gerne lacht.

MINIONS, 2015 – Regie: Pierre Coffin, Kyle Balda. Buch: Brian Lynch, Ken Daurio, Cinco Paul. 91 Minuten.

Fotos: © Universal Pictures