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Marisa Benz
Hannah RettnerBARBIE bestimmte den Sommer 2023
Der neue Film von Greta Gerwig mit Margot Robbie und Ryan Gosling in den Hauptrollen als Barbie und Ken hat nicht nur die Kinokassen erobert, sondern den ganzen Sommer 2023 bestimmt. Am Eröffnungswochenende hat der Film bereits $337 Millionen eingespielt und knackte in den folgenden Wochen die $1 Milliarde Dollar Marke. Dabei hatte der Film popkulturell auch einen großen Einfluss, die Trendfarbe des Sommers war eindeutig pink. Es wurde zum Beispiel ein Trend, sich pink zu den Vorstellungen anzuziehen und der Sommer wurde Barbie Sommer betitelt. #barbie hat über 17 Millionen Beiträge auf Instagram und über 83 Milliarden Aufrufe auf TikTok.
Wie Glamour berichtete, ist Barbiecore der „größte Modetrend 2023“ und bestimmte die Farben des Sommers: knallig, verspielt und pink. Glamour führt dies auf den Trend der Hyperfemininity zurück. Der Feminismus hat sich in den letzten Jahren dahin entwickelt, dass alle Frauen gleich viel wert sind und brachte den Trend der Hyperfemininity – Frauen, die dem Klischee der „Tussi“ entsprechen. Das ist eine gegenwärtige Entwicklung zu den letzten Jahrzehnten, in denen Frauen, die diesem Klischee entsprachen, oft belächelt wurden oder als unfeministisch angesehen wurden. Jetzt werden sie aber genauso wertvoll wie alle anderen Frauen betrachtet. Bis zu einem gewissen Maße entspricht auch Barbie diesem Klischee – ein Spielzeug, das an Mädchen gerichtet war, blond, schlank, und mit einem Fokus auf Fashion. Dabei haben berühmte Stars und Influencer wie Zendaya, Hailey Bieber oder Kim Kardashian diesen Trend dieses Jahr gerockt.
Tatsächlich war Barbies Einfluss größer als nur Klamotten-Trends, viele Frauen beendeten ihre Beziehungen wegen des Filmes. Auf TikTok gibt es immer mehr Videos von Frauen, die sich trennten, nachdem sie Barbie gesehen haben. Dabei begründen sie ihre Entscheidung damit, dass der Film ihnen gezeigt hat, dass sie etwas Besseres verdient haben und so mit ihnen resoniert hat, dass sie ihn genutzt haben, um die Meinungen ihrer Partner zu testen. Da dem Film inzwischen oft „Männerhass“ vorgeworfen wird, spalten sich da die Meinungen – oft zwischen Männer und Frauen. Viele Männer kritisieren die Darstellung von Ken als männerfeindlich, der nach seinem Ausflug in die reale Welt mit Barbie das Patriarchat ins Barbieland zurückbringt und die anderen Kens davon überzeugt. Als Resultat übernehmen die Kens Barbieland und machen es zum Kendom. Ken ist nur Barbies Nebencharakter, sie ist der Star. Wie er selber sagt, es heißt immer Barbie und Ken, nie einfach nur Ken. Zwar wird sich bei der Darstellung von Ken vieler männlicher Klischees bedient, aber bei der von den Barbies eben auch. Im Film wird sich sowohl über männliche, als auch weibliche Klischees lustig gemacht. Das macht den Film nicht männerfeindlich.
Während einige Männer gegen Barbie hetzen, wird dem Film zugesagt, wichtige feministische Statements zu beinhalten. Ein wichtiger Moment in Barbie ist America Ferreras Monolog, wie Frauen in der echten Welt zu sein haben, der viele Frauen berührt hat. Dabei ist Barbie selber ein Problem – die Puppe hat bewiesenermaßen zu einem erhöhten Risiko von Essstörungen bei Kindern beigetragen und negative Körperstereotypen verbreitet. Die Popkultur Barbie wird als nicht feministisch angesehen, der Film aber schon. Greta Gerwig selber hat in vielen Interviews betont, dass der Film feministisch ist. Der Film zeigt sich dabei selbstkritisch – in einer Szene, in der Barbie eine Existenzkrise hat und sagt, dass sie nicht perfekt ist, betont die Erzählerin, dass diese Nachricht nicht ganz ankommt, wenn man Margot Robbie castet.
Vielleicht hat der Film keinen bahnbrechenden neuen Beitrag zum Feminismus, aber was er auf jeden Fall bringt, ist eine Menge Spaß. Das Kostümdesign ist atemberaubend, Margot Robbies Outfits sind wunderschön und der Film ist vor allem ausgesprochen witzig. Nach Wochen sind die Kinos immer noch ausverkauft und der Film hat bereits einen Kultstatus erreicht. Die Fashion ist zeitlos und wird in den kommenden Jahren wahrscheinlich so wichtig angesehen wie „Clueless“ und der Humor wird sich genauso als zeitlos beweisen.
Quellen:
https://www.instagram.com/explore/tags/barbie/?hl=de
https://www.ipl.org/essay/Barbies-Positive-Influence-On-Pop-Culture-FCFR9HSVZT
https://www.vox.com/culture/2023/7/12/23790929/barbie-movie-2023-barbiemania-explained
https://www.glamour.de/artikel/barbiecore-modetrend
UnsplashSuperhero-Fatigue: Tatsächliche Müdigkeit oder einfach ein Qualitätsproblem?
Ob Avengers: Infinity War, Avengers: Endgame oder Spider-Man: No Way Home… Super-helden Filme und ihre Erfolge sind uns allen bekannt, doch handelt es sich dabei um ein Phänomen der Vergangenheit? Viele der aktuellen Marvel Projekte können nicht mehr an die vergangenen Erfolge anknüpfen. Woran liegt das? Gibt es die häufig in diesem Zusammenhang erwähnte „Superhero-Fatigue“ tatsächlich?
Die Verfilmung von Superhelden Comics war jahrelang ein Einnahmegarant für Filmstudios wie Disney oder Warner Bros. Der erfolgreichste seiner Art ist Avengers: Endgame (Veröffentlichung 2019) mit 2,8 Milliarden US-Dollar. Seitdem wurden etliche weitere Superhelden Filme veröffentlicht. Nur wenige konnten annähernd an diesen Erfolg anknüpfen. Es stellt sich also unweigerlich die Frage, warum dies der Fall ist. Anhand des Marvel Cinematic Universe (auch MCU genannt), soll dieser Frage hier auf den Grund gegangen werden.
Die Zahlen
Seit dem Erfolg von Avengers: Endgame veröffentlicht Marvel 22 neue Projekte in etwas unter vier Jahren (Stand August 2023). Nicht alle davon sind Kinofilme, sondern es handelt es sich auch um Serien und ein Holiday Special. Zwischen 2008 und 2019 kommt das MCU auf dieselbe Anzahl an veröffentlichen Projekten. Es gibt also einen massiven Anstieg, was die Veröffentlichungen angeht. Auf der anderen Seite stehen die Einspielergebnisse dieser 22 Filme seit 2019 und diese sprechen eine eindeutige Sprache. Einzig Spider-Man: No Way Home ist mit 1,9 Milliarden US-Dollar ein Film mit einer ähnlich guten Performance an den Kinokassen als Avengers: Endgame. Dass dieser Film unter dem Motto „Ausnahmen bestätigen die Regel“ läuft, zeigen die Einspielergebnisse der anderen Filme. Mit Black Widow (2021), Eternals (2021) und Shang Chi and the Legend of the Ten Rings (2021) sind das bereits drei der neueren Filme, die sich weit unten in der Liste der Einspielergebnisse des MCUs einordnen. Hier muss man jedoch auch beachten, dass diese Filme während der Corona-Pandemie veröffentlicht wurden. Auch hiervon wurden diese finanziellen Ergebnisse beeinflusst. Doch auch nach Ende der Corona-Pandemie finden die Erfolge nicht ihren Weg zurück zum Superhelden Genre. Das beweist Ant-Man and the Wasp: Quantumania, mit weltweiten Einnahmen von ca. 476 Millionen US-Dollar.
Die Superhero-Fatigue
Doch warum sind diese Zahlen so eingebrochen? Häufig wird hier die sogenannte „Superhero Fatigue“ erwähnt. Dabei handelt es sich, wie der Begriff schon andeutet, um eine Müdigkeit von den immer gleichen Geschichten. Es geht also darum, dass in Superhelden Filmen häufig eine Geschichte erzählt wird, die im Ton, der Handlung und den Charakteren den bereits existierenden Filmen ähnelt. Betrachtet man das MCU unter diesem Gesichtspunkt, so fällt auf, dass zwar der Aufbau vieler der neuen Projekte ähnlich zu den vorherigen ist, jedoch eine größere Diversität bei den Hauptcharakteren gegeben ist. Noch nie gab es so viele Protagonistinnen bei Marvel und auch People of Colour sind deutlich stärker repräsentiert. Spricht dies nicht eigentlich gegen das Argument der Superhero-Fatigue? Gerade bei der größeren Diversität der Charaktere bildet sich ein neues „Problem“ für die neuen Filme des MCU, denn ein Teil der Zuschauenden bezeichnet diese Filme als „woke“. Es folgt Review Bombing. Das bedeutet, dass ein Film/eine Serie mit Absicht schlechter bewertet wird, als sie ist, um so die durchschnittliche Bewertung des Projekts nach unten zu manipulieren. Diesem Teil der Zuschauenden wird man es kaum recht machen können und doch sorgen sie für eine geringere Zuschauerzahl und verhindern eine positive Atmosphäre rund um ein Projekt.
Das Qualitätsproblem
Es zeigt sich also schon, dass das zunehmende Desinteresse nicht nur an einer Superhero-Fatigue liegt. Könnte es schlichtweg einen Zusammenhang mit einer Abnahme der Qualität geben? Der Regisseur der Guardians of the Galaxy Filmreihe und der neue Chef der Marvel Konkurrenz DC, James Gunn, analysiert das Problem folgendermaßen: „It doesn’t have anything to do with superheroes. It has to do with the kind of stories that get to be told, and if you lose your eye on the ball, which is character. We love Superman. We love Batman. We love Iron Man. Because they’re these incredible characters that we have in our hearts. And if it becomes just a bunch of nonsense onscreen, it gets really boring”. Die Filme fokussieren sich also nicht genug auf ihre Charaktere innerhalb der Geschichte und sorgen deshalb für Langeweile bei den Zuschauenden. Ein weiterer Kritikpunkt rund um die Qualität der Filme ist außerdem etwas, das bei den Dreharbeiten selbst passiert. Es werden immer mehr Szenen vor einem Greenscreen statt einem klassischen Set gedreht. Gleichzeitig werden die Arbeitsumstände für die VFX Künstler*innen immer schwieriger. Es werden bis zu 80h Arbeitswochen, mit unbezahlten Überstunden und fast unerträglicher Druck berichtet. Kein Wunder also, dass die Effekte das ein oder andere Mal nicht den früheren Qualitätsstandard erreichen.
Das Streaming Problem
Zu all diesen schwerwiegenden Problemen, kommt nun noch ein weiteres, welches die Filmindustrie grundlegend verändert und eben auch das Superhelden-Genre. Streaming. 2020 launcht Disney den eigenen Streamingservice Disney+. Hier findet man auch alle MCU-Projekte, die für das Kino gedacht sind, schon wenige Monate nach dem Kino Release. Warum sollte man also überhaupt noch ins Kino fahren, wenn man auch einfach auf dem eigenen Sofa denselben Film schauen kann? Doch das ist nicht der einzige Aspekt. Auf Disney+ wurden 12 der 22 Projekte exklusiv veröffentlicht. Dabei handelt es sich um die Serien und Holiday Specials. Um alle Projekte zu sehen und auf dem neuesten Stand zu bleiben, muss man also den Streamingservice abonnieren. Auch hier entsteht neues Potenzial Zuschauende zu verlieren.
Das Fazit
Das MCU und seine Probleme sind vielfältig, manche davon lösbar, andere eher nicht. Dennoch wird deutlich, dass es zu simpel wäre, es nur auf eine Superhero Fatigue oder nur auf ein Qualitätsproblem herunterzubrechen. Die Kombination aus mehreren Faktoren hat das MCU an seinen aktuellen Punkt gebracht. Gelingt der Rückkehr zu alten, glanzvollen Zeiten? Oder versinkt das MCU in der Bedeutungslosigkeit? Dies sind Fragen, die nur die Zeit beantworten kann und es wird spannend werden diese Entwicklung zu verfolgen.
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UnsplashQueercoding im Zeichentrick – Zwischen versteckter Vielfalt und schädlicher Stereotypisierung
Was haben Pokémon, Scar und der Antichrist gemeinsam? Die Antwort: Sie werden alle mit stereotypisch queeren Eigenschaften besetzt. Was genau daran problematisch sein kann und was dahinter steckt, wird hier näher beleuchtet.
Info-Box "Queer"
Queer wird häufig als Sammelbegriff für Menschen aus der LGBTQ+- Community verwendet. Es kann jedoch auch eine Selbstbezeichnung für Identitäten sein, die über Kategorien wie „Frau“/“Mann“ oder „lesbisch/schwul“ hinausgehen. Queer kann auch eine Haltung sein, die Heteronormativität und Zweigeschlechtlichkeit kritisch hinterfragt.
Dramatische Gestik, theatralisches und effeminiertes Auftreten auf der einen, Flanellhemden und eine burschikose Ausstrahlung auf der anderen: diese formelhaften Verhaltensmuster lassen sich zuhauf bei Charakteren entdecken, bei denen das sogenannte „Queercoding“ stattfindet.
Unter Queercoding bezeichnet man das Zuschreiben typischer Eigenschaften, die andeuten, dass eine Figur nicht heterosexuell oder cis-gender ist, ohne dass dies on- und offscreen bestätigt wird. Ihre Queerness wird somit nicht explizit gezeigt, aber beispielsweise durch bestimmte Tropes impliziert. Queercoding kann so weit gehen, dass ganze romantische Beziehungen gleichgeschlechtlicher Paare angedeutet werden. Dies fällt unter den Begriff des Queerbaiting.
Geschichtliche Hintergründe
An und für sich scheinen diese beiden Phänomene nicht allzu problematisch zu sein. Denn im Hollywood der 1930er Jahre waren sie ursprünglich als einfache, unterschwellige Möglichkeit gedacht, queere Menschen on screen zu repräsentieren. Gleichzeitig sollte eine staatliche Zensur Hollywoods, das als Zentrum eines maßlos ausschweifenden Lebensstils gesehen wurde, umgangen werden.
Um der Überwachung und Kontrolle durch die Regierung zu entgehen und das Image Hollywoods wiederherzustellen, gründeten die Studios selbst 1922 den Verband „Motion Picture Producers and Distributors of America“ (kurz: MPPDA).
Die MPPDA führte daraufhin einen „Production Code“ ein, auch „Hays-Code“. Mit dem Hays-Code schränkte sich das Filmgeschäft in seinen Produktionen selbst stark ein, um zu vermeiden, dass Gruppierungen von außerhalb auf ihre Werke Einfluss nahmen. Nebst des Verbots gewisser Gewaltdarstellungen und der Heroisierung von Kriminellen unterband der Hays-Code auch „sexuelle Perversion“, was damals eine Umschreibung für Homosexualität war.
Screenwriter*innen griffen daher auf bestimmte, wiedererkennbare Figuren zurück, um vor allem schwule Männer im Skript zu implizieren:
- „The Sissy“: Der klassische Stereotyp schwuler Männer; eine effeminierte Darstellung, flamboyant, frech und eitel.
- „The Artiste“: Personifikation der Gefahr, durch Kunst und dasselbe Geschlecht verführt zu werden.
- „Sycophantic servant“: Eine zumeist männliche Helferfigur, die etwas zu obsessiv und demütig zu ihrem gleichgeschlechtlichen Herren ist.
- „The Sadist“: Eine Person, die Gefallen daran findet, Menschen gleichen Geschlechts zu foltern und sich dadurch einen psychosexuellen Kick verschafft.
Im Laufe der Jahre und mit einem drohenden Zensurgesetz wurde der Hays-Code immer strenger und de facto Standard. Beispielsweise mussten Filme, die nicht von der MPPDA abgesegnet waren, einen Geldbetrag zahlen und wurden nicht in Kinos des Verbandes gezeigt. Obwohl der Hays-Code mit Beginn der 60er Jahre sein Ende fand, halten sich diese Archetypen bis heute.
Queercoded Zeichentrickcharaktere
Vor allem, aber nicht ausschließlich, finden sich Charaktere mit stereotypisch schwulen oder lesbischen Eigenschaften im Zeichentrick.
Im Anime „PreCure“ hat beispielsweise jede Staffel eine codierte weibliche Paarung, die sich durch eine homo-romantische Freundschaft auszeichnet.
Der Ruf einer weiblichen Stimme führt Elsa in die Ferne. Sie singt: „Or are you someone out there who’s a little bit like me?“ Filmstill: „Die Eiskönigin 2“
Mit dem Erscheinen des zweiten „Die Eiskönigin“ wurde viel darüber diskutiert, inwiefern Elsa als homosexuell gecodet ist: Bereits im ersten Teil muss sie sich verstecken, weil sie besonders ist und hat das Gefühl, ihr Leben zu zerstören, wenn sie ihren Gefühlen freien Lauf lässt. Als sie im zweiten Teil von einer weiblichen Stimme von ihrer Familie weggeführt wird, erschließt es sich, Elsa als lesbisch zu labeln.
Ein weiteres populäres Beispiel für Queercoding ist Scar aus „König der Löwen“: Seine Augen wirken fast geschminkt, seine Gestiken führt er melodramatisch mit den Handgelenken aus und seine Stimmfarbe wirkt deutlich höher und weiblicher als die von Mufasa.
Auch stereotypisierte Figuren, die denen aus Zeiten des Hays-Codes entsprechen, lassen sich in „Die Schöne und das Biest“, sowie in „Pocahontas“ finden: In letzterem wurde der Bösewicht sissified. In „Die Schöne und das Biest“ finden sich die Merkmale des „Sycophantic Servant“ in LeFou wieder.
„Die Schöne und das Biest“ ist hierbei einer der Filme, die überdies die Absicht hatten, queer zu wirken – als kreativer Kopf wirkte hier Howard Ashman in den 80ern. Als schwuler Mann schaffte er mit „Aladdin“ und „Arielle- die Meerjungfrau“ zwei Filme, um seine Community zu repräsentieren. Auffällig ist jedoch, dass auch in diesen Filmen zumeist die Bösewichte mit formalhaft queeren Eigenschaften dargestellt wurden.
Die böse Seehexe Ursula. Filmstill „Ariellle – die Meerjungfrau“
In „Aladdin“ treffen Stereotype schwuler Männer auf Jafar zu, während die Seehexe Ursula in „Arielle“ von der Dragqueen Divine inspiriert worden sei.
Das Darstellen von Bösewichten mit queeren Eigenschaften geht jedoch auch über Disney hinaus: In der Schurkenbande Team Rocket aus „Pokémon“ wurde deren Mitglied James fortwährend als extravagant und theatralisch präsentiert.
Queercoding kann sogar so weit gehen, dass beispielsweise Charakteren, die mit homosexuellen Klischees dargestellt wurden, Provokationen drohen, die als homofeindlich zu verstehen sind. In „Ralph reicht´s“ ruft der Protagonist dem verweiblichten Rosaliebhaber und Bösewicht King Candy „Nelly Wafer“ zu, ein Schimpfwort gegen schwule Männer.
„King Candy“ in seinem rosa Schloss. Filmstill „Ralph reicht´s“
Auch in Darstellungen des Antichristen, beispielsweise bei „South Park“ oder den „Powerpuff Girls“ biegt der Teufel geschlechtliche Rollenvorstellungen durch das Tragen von Stöckelschuhen oder wird direkt als fester Freund von Saddam Hussein gezeigt.
Ist Queercoding problematisch?
An und für sich ist Queercoding erst einmal nicht verwerflich. Um Menschen der LGBTQ+ Community zu repräsentieren, muss deren Sexualität oder geschlechtliche Orientierung nicht unbedingt angesprochen oder zum Thema gemacht werden. Sie kann auch subtiler mit einbezogen werden. Gerade in Kontexten, in denen es nicht erlaubt ist oder war, diese Minderheiten darzustellen, kann Queercoding ein Mittel sein, um Menschen außerhalb heterosexueller und zweigeschlechtlicher Normen zu integrieren.
Problematisch wird es jedoch dann, wenn Queercoding für ein homofeindliches Publikum existiert. Wenn Hinweise auf Queerness die entscheidenden Eigenschaften moralisch grauer Charaktere oder Bösewichte auszeichnet, stehe die implizierte Sexualität in direkter Verbindung zu dem Status als Übeltäter*in, so der Dokumentarfilmer David Thorpe. Gerade weil Zeichentrick häufig für ein jüngeres Publikum gedacht wird, kann dies das Bild vieler Kinder in Bezug auf ein vielfältiges Bild von Sexualität und Geschlecht negativ beeinflussen.
Im Verwenden von Queercoding lässt sich in Bezug auf Filmemacher*innen feststellen, dass zumeist versucht wird, Filme sowohl für queere Menschen, als auch für ein weniger offenes Publikum zu schreiben. Durch das Versprechen von Repräsentation sollen sie als fortschrittlich gelten und das Publikum aus der LGBTQ+ Community anziehen. Auf der anderen Seite werden auch konservative Gruppierungen durch den Verzicht auf explizite Darstellungen von Homosexualität oder Transpersonen nicht vor den Kopf gestoßen.
Eine interessante Perspektive, die die Absichten der Filmemacher*innen auf eine niedrigere Stufe stellt, bietet Roland Barthes Werk „Tod des Autors“. In diesem beschreibt er, dass die Erfahrungen des Publikums und die Interpretation des finalen (textuellen) Produkts eine größere Bedeutung haben, als die Bestrebungen der Personen, die dieses Produkt schufen.
Heißt grob gesagt: Wenn das Publikum eine Figur als queer wahrnimmt, dann kann es auch beanspruchen, dass diese queer ist. Dies könnte eine Möglichkeit für LGBTQ+ Fans sein, um weitreichenderen Einfluss zu nehmen – bis es jedoch soweit ist, haben wir noch einen langen Weg zu gehen.
Quellen:
https://www.lsvd.de/de/ct/3385-Was-bedeutet-LSBTI-Glossar-der-sexuellen-und-geschlechtlichen-Vielfalt?gclid=EAIaIQobChMIoe_4rem7_wIVe4uDBx3q5wBSEAAYASAAEgJLAvD_BwE
https://gender-mediathek.de/de/media/remote-video/queer-coding-explained-hidden-plain-sight
https://feuerundbrot.de/folgen/queercoding
https://www.film.at/news/queer-coding-warum-haben-disney-boeswichte-oft-typisch-queere-eigenschaften/401156016
https://filmlexikon.uni-kiel.de/doku.php/h:hayscode-198
https://time.com/3949440/david-thorpe-do-i-sound-gay-interview/